Musik Pop

Hatch dan Millward mendefinisikan musik pop sebagai "tubuh musik yang dibedakan dari populer, jazz dan musik rakyat" . Meskipun musik pop sering dilihat sebagai berorientasi pada grafik single itu bukan jumlah dari semua musik grafik, yang selalu berisi lagu-lagu dari berbagai sumber, termasuk klasik, jazz, rock, dan lagu-lagu baru, sementara musik pop sebagai genre biasanya dilihat sebagai yang ada dan berkembang secara terpisah dengan demikian. "musik pop" dapat digunakan untuk menggambarkan genre yang berbeda, ditujukan pada pasar kaum muda, sering ditandai sebagai alternatif lembut untuk rock and roll.

Musik Jazz

Jazz bisa sangat sulit untuk menentukan karena membentang dari waltz Ragtime untuk fusi era tahun 2000-an. Meskipun banyak upaya telah dilakukan untuk menentukan jazz dari sudut pandang di luar jazz, seperti menggunakan sejarah musik Eropa atau musik Afrika, kritikus jazz Joachim Berendt berpendapat bahwa semua upaya tersebut tidak memuaskan. Salah satu cara untuk berkeliling masalah definisi adalah untuk mendefinisikan jazz "istilah" lebih luas. Berendt mendefinisikan jazz sebagai bentuk "seni musik yang berasal dari Amerika Serikat melalui konfrontasi orang kulit hitam dengan musik Eropa", ia berpendapat bahwa jazz berbeda dari musik Eropa dalam jazz yang memiliki hubungan "khusus untuk waktu, yang didefinisikan sebagai 'ayunan' "," sebuah spontanitas dan vitalitas produksi musik di mana improvisasi memainkan peran ", dan" kemerduan dan cara ungkapan yang cermin individualitas dari musisi jazz melakukan ".

Travis Jackson juga mengusulkan definisi yang lebih luas dari jazz yang mampu mencakup seluruh era yang berbeda secara radikal: ia menyatakan itu adalah musik yang mencakup kualitas seperti "berayun", improvisasi, interaksi kelompok, mengembangkan sebuah" suara individu, dan menjadi 'terbuka' untuk kemungkinan musik yang berbeda Krin Gabbard mengklaim bahwa" jazz adalah membangun "atau kategori yang, sementara buatan, masih berguna untuk menunjuk" sejumlah musics dengan cukup umum harus dipahami sebagai bagian dari sebuah tradisi yang koheren ".

Sementara jazz mungkin sulit untuk menentukan, improvisasi jelas salah satu elemen kunci. Awal blues pada umumnya terstruktur sekitar pola panggilan-dan-respon yang berulang, unsur umum dalam tradisi lisan Afrika Amerika. Suatu bentuk musik rakyat yang meningkat di bagian dari lagu kerja dan bidang hollers Hitam pedesaan, blues awal juga sangat improvisasi. Fitur-fitur ini mendasar dengan sifat jazz. WhilProxy-Connection: hidup terus-Cache-Control: max-age = 0

dalam unsur-unsur musik klasik Eropa interpretasi, ornamen dan pendampingan kadang-kadang kiri ke kebijaksanaan yang berprestasi itu, tujuan utama adalah pemain memainkan komposisi seperti yang tertulis.

Dalam jazz, Namun, pemain ahli akan menafsirkan sebuah lagu dengan cara yang sangat individu, tidak pernah memainkan komposisi yang sama persis dengan cara yang sama dua kali. Tergantung mood pemain dan pengalaman pribadi, interaksi dengan sesama musisi, atau bahkan anggota audiens, seorang musisi jazz / pemain dapat mengubah melodi, harmoni atau waktu penandatanganan di akan. musik klasik Eropa telah dikatakan media komposer. Jazz, namun, sering ditandai sebagai produk kreativitas egaliter, interaksi dan kolaborasi, menempatkan nilai yang sama pada kontribusi dari komposer dan pelaku, 'tangkas berat [ing] klaim masing-masing komposer dan improvisasi' .

Di New Orleans dan Dixieland jazz, performer bergantian bermain melodi, sementara yang lain countermelodies improvisasi. Dengan era swing, big band datang untuk lebih mengandalkan musik diatur: pengaturan entah tertulis atau dipelajari oleh telinga dan hafal - banyak artis jazz awal tidak bisa membaca musik. solois Individu akan berimprovisasi dalam pengaturan ini. Kemudian, di bebop fokus bergeser ke arah kelompok-kelompok kecil dan pengaturan minimal; melodi (dikenal sebagai kepala "") akan dinyatakan secara singkat pada awal dan akhir bagian, tapi inti dari kinerja akan menjadi serangkaian improvisasi dalam tengah. Kemudian gaya jazz seperti jazz modal meninggalkan gagasan ketat kemajuan akord, yang memungkinkan individu musisi berimprovisasi bahkan lebih bebas dalam konteks skala tertentu atau mode. avant-garde dan idiom jazz bebas izin, bahkan memanggil, meninggalkan chords, sisik, dan meter berirama.

Telah lama ada perdebatan di komunitas jazz atas definisi dan batas-batas "jazz". Meskipun perubahan atau transformasi jazz oleh pengaruh baru awalnya sering dikritik sebagai kehinaan "," Andrew berpendapat Gilbert jazz yang memiliki kemampuan "untuk menyerap dan mengubah pengaruh" dari gaya musik yang beragam. Sementara beberapa penggemar jenis tertentu jazz berpendapat untuk definisi sempit yang mengecualikan berbagai jenis musik juga dikenal sebagai "jazz", musisi jazz sendiri sering enggan untuk mendefinisikan musik mereka bermain. Duke Ellington menyimpulkan dengan mengatakan, "Ini semua musik." Beberapa kritikus bahkan menyatakan bahwa musik Ellington bukanlah jazz karena diatur dan mengatur. Pada teman sisi lain Ellington dua puluh solo Earl Hines's "transformatif versi "komposisi Ellington (pada Earl Hines Dimainkan Duke Ellington dicatat pada tahun 1970) yang dijelaskan oleh Ben Ratliff, New York Times kritikus jazz, seperti" sebagai contoh yang baik dari proses jazz sebagai sesuatu di luar sana ".

Berorientasi komersial atau populer yang dipengaruhi musik jazz bentuk memiliki keduanya lama dikritik, setidaknya sejak munculnya Bop. penggemar jazz tradisional telah diberhentikan Bop, tahun 1970-an jazz [era fusi dan banyak lain] sebagai periode penurunan nilai komersial dari musik. Menurut Bruce Johnson, musik jazz selalu memiliki ketegangan "antara jazz sebagai musik komersial dan bentuk seni" catatan Gilbert itu. Sebagai gagasan tentang kanon jazz adalah berkembang, "prestasi masa lalu" dapat menjadi "... istimewa atas kreativitas istimewa ..." dan inovasi seniman saat Village Voice. jazz kritikus Gary Giddins berpendapat bahwa sebagai penciptaan dan penyebaran jazz semakin dilembagakan dan didominasi oleh perusahaan hiburan besar, jazz adalah menghadapi "sebuah. .. masa depan berbahaya kehormatan dan penerimaan tertarik "David Ake. memperingatkan bahwa penciptaan" norma "dalam jazz dan pembentukan tradisi jazz" "mungkin mengecualikan atau sampingan lainnya yang lebih baru, avant-garde bentuk jazz . Kontroversi juga muncul lebih dari bentuk-bentuk baru jazz kontemporer dibuat di luar Amerika Serikat dan berangkat secara signifikan dari gaya Amerika Di satu pandangan mereka merupakan bagian penting dari pengembangan saat ini jazz itu;. di lain mereka kadang-kadang dikritik sebagai penolakan terhadap tradisi jazz penting.

Musik Rock

Musik rock adalah genre musik populer yang mulai diketahui secara umum pada pertengahan tahun 50an. Akarnya berasal dari rhythm and blues, musik country dari tahun 40 dan 50-an serta berbagai pengaruh lainnya. Selanjutnya, musik rock juga mengambil gaya dari berbagai musik lainnya, termasuk musik rakyat (folk music), jazz dan musik klasik.

Bunyi khas dari musik rock sering berkisar sekitar gitar listrik atau gitar akustik, dan penggunaan back beat yang sangat kentara pada rhythm section dengan gitar bass dan drum, dan kibor seperti organ, piano atau sejak 70-an, synthesizer. Disamping gitar atau kibor, saksofon dan harmonika bergaya blues kadang digunakan sebagai instrumen musik solo. Dalam bentuk murninya, musik rock "mempunyai tiga chords, bakcbeat yang konsisten dan mencolok dan melody yang menarik".

Pada akhir tahun 60-an dan awal 70-an, musk rock berkembang menjadi beberapa jenis. Yang bercampur dengan musik folk (musik daerah di amerika) menjadi folk rock, dengan blues menjadi blues-rock dan dengan jazz, menjadi jazz-rock fusion. Pada tahun 70an, rock menggabungkan pengaruh dari soul, funk, dan musik latin. Juga di tahun 70an, rock berkembang menjadi berbagai subgenre (sub-kategori) seperti soft rock, glam rock, heavy metal, hard rock, progressive rock, dan punk rock. Sub kategori rock yang mencuat ditahun 80an termasuk New Wave, hardcore punk dan alternative rock. Pada tahun 90an terdapat grunge, Britpop, indie rock dan nu metal.

Sebuah kelompuk pemusik yang mengkhususkan diri memainkan musik rock dijuluki rock band atau rock group (grup musik rock). Rock group banyak yang terdiri dari pemain gitar, penyanyi utama (lead singer), pemain gitar bass, dan drummer (pemain drum), membentuk sebuah quartet. Beberapa group menanggalkan satu atau dua posisi diatas dan/atau menggunakan pennyanyi utama sebagai pemain alat musik disamping menyanyi, membentuk duo atau trio. Group lainnya memiliki pemusik tambahan seperti dua rhythm gitar dan atau seorang keyboardist (pemain kibor). Agak lebih jarang, penggunaan alat musik bersenar seperti biola, cello atau alat tiup seperti saksofon, trompet atau trombon.

Musik Prasejarah

Musik prasejarah, sekali lebih sering disebut musik primitif, adalah nama yang diberikan kepada semua musik yang dihasilkan dalam budaya belum melek huruf (prasejarah), dimulai di suatu tempat dalam sejarah geologi sangat terlambat. Musik prasejarah diikuti dengan musik kuno di sebagian besar Eropa (1500 SM) dan musik kemudian di wilayah Eropa yang dipengaruhi berikutnya, tapi masih ada di daerah-daerah terpencil.

Musik Prasejarah sehingga secara teknis mencakup semua musik dunia yang telah ada sebelum munculnya dari setiap sumber sejarah yang masih ada saat ini tentang musik yang, misalnya, musik tradisional Amerika asli suku Aborigin belum melek huruf dan musik Australia. Namun, lebih umum untuk menyebut musik "prasejarah" non-Eropa benua - terutama yang masih bertahan - sebagai rakyat, musik adat atau tradisional. Asal musik tidak diketahui karena terjadi sebelum munculnya sejarah tertulis. Beberapa menyarankan bahwa asal-usul musik kemungkinan berasal dari alami suara dan irama. Musik manusia dapat gema fenomena ini menggunakan pola, pengulangan dan nada suara. Bahkan saat ini, beberapa budaya memiliki contoh tertentu dari musik mereka berniat untuk meniru suara alam. Dalam beberapa kasus, fitur ini terkait dengan kepercayaan shamanistik atau praktek. [2] [3] Hal ini juga dapat melayani hiburan (game) [4] [5] atau praktis (memikat hewan dalam berburu) [4] fungsi.

Ini adalah kemungkinan bahwa alat musik pertama adalah suara manusia itu sendiri, yang dapat membuat array yang luas dari suara, dari menyanyi, bersenandung dan bersiul melalui mengklik, batuk dan menguap. Pada tahun 2008 para arkeolog menemukan tulang seruling di gua Hohle Fels dekat Ulm, Jerman [6]. [7] [8] seruling lima bersembunyi memiliki corong berbentuk V dan terbuat dari tulang sayap burung bangkai. Pipa-pipa kayu tertua dikenal ditemukan di dekat Greystones, Irlandia, pada tahun 2004. Sebuah lubang kayu berlapis berisi sekelompok enam seruling yang terbuat dari kayu yew, antara 30 dan 50 cm, meruncing pada salah satu ujung, tetapi tanpa lubang jari. Mereka pernah mungkin telah diikat bersama-sama [9]. [Dead link]
Alkitab periode
Artikel utama: Sejarah musik dalam periode alkitabiah
"David dengan kecapinya" Paris Mazmur,
c. 960, Konstantinopel

Menurut Easton 's Bible Dictionary, Jubal disebut oleh Alkitab sebagai penemu alat musik (Kej. 4:21). Orang Ibrani jauh diberikan kepada budidaya musik. Seluruh sejarah mereka dan sastra mampu banyak bukti tentang ini. Setelah Air Bah, penyebutan pertama musik adalah di rekening Laban wawancara dengan Yakub (Kej 31:27). Setelah perjalanan kemenangan mereka dari, Laut Merah Musa dan orang Israel menyanyikan lagu mereka pembebasan (Kel. 15). Tapi masa Samuel, Daud, dan Salomo adalah zaman keemasan musik Ibrani, seperti yang dari puisi Ibrani. Musik sekarang untuk pertama kalinya sistematis dibudidayakan. Itu adalah bagian penting dari pelatihan di sekolah-sekolah para nabi (1 Sam. 10:5). Ada sekarang muncul juga kelas penyanyi profesional (2 Sam 19:35;.. Pengk 2:8). Bait Salomo, bagaimanapun, adalah sekolah besar musik. Dalam melakukan pelayanannya band besar penyanyi terlatih dan pemain instrumen yang digunakan terus-menerus (2 Sam 6:5;. 1 Taw 15:16;. 23; 5; 25:1-6). Dalam kehidupan pribadi juga musik tampaknya telah mengadakan tempat penting di antara Ibrani (Pengkotbah 2:8; Amos 6:4-6, Yes 5:11, 12;. 24:8, 9; Maz 137;. Yer 48. :. 33; Lukas 15:25) [10]

Musik dan teater sarjana mempelajari sejarah dan antropologi Semit dan awal budaya Yudeo-Kristen, juga menemukan link umum antara aktivitas teater dan musik dalam budaya klasik Ibrani dengan orang-orang dari budaya kemudian orang Yunani dan Romawi. Area umum kinerja ditemukan dalam sebuah "fenomena sosial yang disebut litani," suatu bentuk doa yang terdiri dari serangkaian doa atau permohonan. Journal of Agama dan Teater mencatat bahwa di antara bentuk-bentuk paling awal litani, "litani Ibrani didampingi oleh tradisi musik yang kaya:" [11]

"Sementara mengidentifikasi 4,21 Kejadian Jubal sebagai" bapak dari semua seperti menangani kecapi dan pipa, "adalah Pentateukh hampir diam tentang praktek dan instruksi musik di awal kehidupan Israel Kemudian,. Dalam I Samuel 10 dan teks-teks yang ikuti, hal yang aneh terjadi. "Orang menemukan dalam teks Alkitab," tulis Alfred Sendrey, "sebuah kebangkitan tiba-tiba dan tak dapat dijelaskan paduan suara besar dan orkestra, yang terdiri dari kelompok musik secara menyeluruh yang terorganisir dan terlatih, yang akan hampir terbayangkan tanpa panjang, metodis persiapan. "Ini telah menyebabkan beberapa sarjana percaya bahwa nabi Samuel adalah patriark dari sebuah sekolah yang mengajarkan tidak hanya para nabi dan orang suci, tetapi juga suci-ritus musisi. ini publik sekolah musik, barangkali yang paling awal tercatat dalam sejarah, tidak terbatas pada kelas imamat -. yang adalah bagaimana anak gembala Daud muncul di tempat kejadian sebagai penyanyi untuk raja Saul "[11]

Kuno musik
Artikel utama: musik Kuno

Jaman prasejarah dianggap telah berakhir dengan pengembangan penulisan, dan dengan itu, menurut definisi, musik prasejarah. "Musik Kuno" adalah nama yang diberikan musik yang diikuti. "Nyanyian tertua" ditulis dalam cuneiform, dating ke 4.000 tahun yang lalu dari Ur. Hal itu diuraikan oleh Prof Anne Draffkorn Kilmer (Universitas California di Berkeley), dan dibuktikan disusun dalam harmoni pertiga, seperti gymel kuno, [12] dan juga ditulis menggunakan tuning Pythagoras dari skala diatonis.

Pipa ganda, seperti yang digunakan oleh orang Yunani kuno, dan bagpipe kuno, serta meninjau gambar kuno di vas dan dinding, dll, dan tulisan-tulisan kuno (seperti di Aristoteles, Masalah, Book XIX.12) yang menggambarkan teknik musik dari waktu, menunjukkan polifoni. Satu pipa di pasang aulos (seruling ganda) kemungkinan berfungsi sebagai pesawat tak berawak atau "keynote," sedangkan yang lain memainkan bagian melodi. Instrumen, seperti bersembunyi tujuh seruling dan berbagai jenis instrumen senar telah pulih dari situs peradaban lembah Indus arkeologi. [13]

India klasik musik (marga) dapat ditemukan dari tulisan suci dari tradisi Hindu, Veda. Samaveda, salah satu dari empat Veda, menguraikan musik di panjang. Sejarah perkembangan musik di Iran (Persia musik) tanggal kembali ke era prasejarah. Raja legendaris yang hebat, Jamshid, dikreditkan dengan penemuan musik. Musik di Iran dapat ditelusuri kembali ke hari-hari Kekaisaran Elamite (2,500-644 SM). Dokumen fragmentaris dari berbagai periode sejarah negara itu menetapkan bahwa Persia kuno memiliki budaya musik yang rumit. Periode Sassania (226-651 AD), khususnya, telah meninggalkan kita banyak bukti menunjuk ke keberadaan kehidupan musik hidup di Persia. Nama-nama beberapa musisi penting seperti Barbod, Nakissa dan Ramtin, dan judul dari beberapa karya mereka telah selamat.

Istilah musik era dini juga dapat merujuk ke musik kontemporer namun tradisional atau rakyat, termasuk musik Asia, musik Persia, musik India, musik Yahudi, musik Yunani, Romawi musik, musik Mesopotamia, musik Mesir, dan musik Islam.
Awal musik
Artikel utama: musik Dini

Musik dini adalah istilah umum yang digunakan untuk menggambarkan musik dalam tradisi klasik Eropa dari setelah jatuhnya Kekaisaran Romawi, pada 476 M, sampai akhir era Baroque di pertengahan abad ke-18. Musik dalam hal ini rentang besar waktu sangat beragam, mencakup beberapa tradisi budaya dalam wilayah geografis yang luas, banyak dari kelompok budaya dari Eropa abad pertengahan yang dikembangkan telah memiliki tradisi musik, tentang yang sedikit yang diketahui. Apa yang terpadu budaya ini pada Abad Pertengahan adalah Gereja Katolik Roma, dan musik menjabat sebagai titik fokus untuk pengembangan musik untuk seribu tahun pertama periode ini. Sangat sedikit non-Kristen musik dari periode ini bertahan, karena penekanan dengan Gereja dan tidak adanya notasi musik, namun musik rakyat modern Eropa mungkin memiliki akar setidaknya sejauh Abad Pertengahan [rujukan?].
Seni Musik Barat
Periode seni musik Barat
Awal
Abad Pertengahan (500-1400)
Renaissance (1400-1600)
Barok (1600-1760)
Praktek umum
Barok (1600-1760)
Klasik (1750-1830)
Romantis (1815-1910)
Modern dan kontemporer
Abad 20 (1900-2000)
Kontemporer (1975-sekarang)
Abad 21 (2000-sekarang)
Artikel utama: seni musik Barat
Abad Pertengahan musik
Artikel utama: Musik Abad Pertengahan

Sementara kehidupan musik tidak diragukan lagi kaya di era awal Abad Pertengahan, seperti yang dibuktikan oleh penggambaran artistik instrumen, tulisan-tulisan tentang musik, dan catatan lain, perbendaharaan satunya musik yang telah bertahan dari sebelum 800 sampai hari ini adalah musik liturgi plainsong dari Gereja Katolik Roma, bagian terbesar dari yang disebut Gregorian. Paus Gregorius I, yang memberikan namanya ke perbendaharaan musik dan mungkin dirinya telah komposer, biasanya diklaim sebagai pencetus bagian musik liturgi dalam bentuk yang sekarang, meskipun sumber memberikan rincian pada tanggal kontribusinya dari lebih dari seratus tahun setelah kematiannya. Banyak sarjana percaya bahwa reputasinya telah dibesar-besarkan oleh legenda. Sebagian besar perbendaharaan nyanyian disusun anonim pada abad antara waktu Gregory dan Charlemagne.

Selama abad ke-9 beberapa perkembangan penting terjadi. Pertama, ada upaya besar oleh Gereja untuk menyatukan tradisi banyak nyanyian, dan menekan banyak dari mereka yang mendukung liturgi Gregorian. Kedua, musik polifonik awal dinyanyikan, bentuk bernyanyi paralel dikenal sebagai organum. Ketiga, dan yang terpenting bagi sejarah musik, notasi itu diciptakan kembali setelah selang sekitar lima ratus tahun, meskipun akan lebih beberapa abad sebelum sistem pitch dan ritme notasi berevolusi memiliki presisi dan fleksibilitas yang musisi modern yang mengambil untuk diberikan.

Beberapa sekolah polifoni berkembang pada periode setelah 1100: sekolah St Bela Diri dari organum, musik yang sering ditandai oleh suatu bagian yang bergerak cepat di atas garis yang berkelanjutan tunggal, Notre Dame sekolah polifoni, yang meliputi Léonin komposer dan Pérotin, dan yang menghasilkan musik yang pertama untuk lebih dari dua bagian sekitar 1200; mencairnya pot-musik Santiago de Compostela di Galicia, tujuan ziarah dan situs mana musisi dari banyak tradisi berkumpul di Abad Pertengahan, musik di antaranya bertahan di Calixtinus Codex, dan Inggris sekolah, musik yang bertahan di Fragmen Worcester dan Naskah Old Hall. Selain sekolah-sekolah musik sakral tradisi yang bersemangat dari lagu sekuler dikembangkan, sebagaimana dicontohkan dalam musik dari trobador, trouvères dan Minnesänger. Banyak dari musik kemudian sekuler Renaissance awal berevolusi dari bentuk, ide, dan estetika musik dari trobador, penyair istana dan musisi keliling, yang kebudayaannya sebagian besar dimusnahkan selama Perang Salib Albigensian di abad 13 awal.

Bentuk musik suci yang dikembangkan selama abad ke-13 akhir termasuk motet, conductus, discant, dan clausulae. Salah satu perkembangan yang tidak biasa adalah Geisslerlieder, musik mengembara band flagellants selama dua periode: pertengahan abad ke-13 (sampai mereka ditindas oleh Gereja), dan periode selama dan segera setelah Black Death, sekitar 1350, ketika mereka kegiatan yang jelas dicatat dan didokumentasikan dengan musik dinotasikan. Musik mereka dicampur gaya lagu rakyat dengan teks tobat atau apokaliptik. Abad ke-14 dalam sejarah musik Eropa didominasi oleh gaya ars nova, yang oleh konvensi dikelompokkan dengan era abad pertengahan di musik, meskipun memiliki banyak kesamaan dengan cita-cita awal Renaissance dan estetika. Banyak dari musik hidup dari waktu adalah sekuler, dan cenderung untuk menggunakan perbaikan formes: yang ballada, yang virelai, yang lai, yang Rondeau, yang sesuai dengan bentuk puitis dari nama yang sama. Bagian yang paling dalam bentuk-bentuk ini selama satu sampai tiga suara, kemungkinan dengan iringan instrumen: komponis terkenal termasuk Guillaume de Machaut dan Francesco Landini.
Renaissance musik
Artikel utama: Renaissance musik

Awal Renaissance di musik tidak jelas ditandai sebagai awal Renaisans di seni lainnya, dan tidak seperti dalam seni lain, tidak dimulai di Italia, tetapi di Eropa utara, khususnya di daerah saat ini pusat yang terdiri dari dan utara Perancis, Belanda, dan Belgia. Gaya komposer Burgundi, sebagai generasi pertama dari sekolah Franco-Flemish diketahui, pada awalnya merupakan reaksi terhadap kompleksitas yang berlebihan dan gaya santun dari akhir abad ke-14 ars subtilior, dan berisi yang jelas, melodi singable dan polifoni seimbang semua suara. Komposer yang paling terkenal dari sekolah Burgundi pada pertengahan abad ke-15 yang Guillaume Dufay, Gilles Binchois, dan Busnois Antoine.

Pada pertengahan abad ke-15, komposer dan penyanyi dari Low Countries dan daerah sekitarnya mulai menyebar ke seluruh Eropa, terutama ke Italia, di mana mereka dipekerjakan oleh kapel kepausan dan para pengunjung aristokrat seni (seperti Medici, yang Este, dan keluarga Sforza). Mereka membawa gaya mereka dengan mereka: polifoni halus yang bisa diadaptasi untuk digunakan suci atau sekuler yang sesuai. Bentuk utama komposisi musik sakral pada waktu itu massa, motet, dan laude itu; bentuk sekuler termasuk Chanson, frottola, dan kemudian Madrigal itu.

Penemuan mesin cetak memiliki pengaruh besar pada penyebaran gaya musik, dan bersama dengan gerakan Franco-Flemish musisi, memberikan kontribusi terhadap pembentukan gaya yang benar-benar internasional pertama dalam musik Eropa sejak penyatuan Gregorian bawah Charlemagne. Komponis dari generasi tengah sekolah Franco-Flemish termasuk Johannes Ockeghem, yang menulis musik dalam gaya contrapuntally kompleks, dengan tekstur bervariasi dan penggunaan rumit perangkat kanonik; Yakub Obrecht, salah satu komponis yang paling terkenal dari massa dalam dekade terakhir dari abad ke-15, dan Josquin des Prez, mungkin komposer paling terkenal di Eropa sebelum Palestrina, dan yang selama abad ke-16 terkenal sebagai salah satu seniman terbesar dalam bentuk apapun. Music di generasi setelah dieksplorasi Josquin meningkatnya kompleksitas pengiring; mungkin ekspresi yang paling ekstrim adalah dalam musik Nicolas Gombert, yang kontrapungtal kompleksitas dipengaruhi musik instrumental awal, seperti Canzona dan ricercar, akhirnya memuncak dalam bentuk fugal Baroque.
Potret komposer Italia Claudio Monteverdi di Venice, 1640 oleh Domenico Fetti.

Pada pertengahan abad ke-16, gaya internasional mulai memecah, dan beberapa tren gaya yang sangat beragam menjadi jelas: kecenderungan kesederhanaan dalam musik sakral, seperti yang diarahkan oleh Kontra-Reformasi Konsili Trente, dicontohkan dalam musik Giovanni Pierluigi da Palestrina; kecenderungan kompleksitas dan chromaticism di Madrigal, yang mencapai ekspresi ekstrim dalam gaya avant-garde dari Sekolah Ferrara dari Luzzaschi dan akhir abad madrigalist Carlo Gesualdo, dan musik, megah merdu dari sekolah Venesia, yang menggunakan arsitektur Basilika San Marco di Venezia untuk menciptakan kontras antiphonal. Musik sekolah Venesia meliputi pengembangan orkestrasi, bagian instrumen dihiasi, dan bass continuo bagian, yang semuanya terjadi dalam kurun waktu beberapa dekade sekitar 1600. Komposer yang terkenal di Venice termasuk Gabrielis, Andrea dan Giovanni, serta Claudio Monteverdi, salah satu inovator paling signifikan pada akhir zaman.

Sebagian besar Eropa telah tradisi musik aktif dan baik dibedakan pada akhir abad ini. Di Inggris, komposer seperti Thomas Tallis dan William Byrd menulis musik sakral dalam gaya yang mirip dengan yang tertulis di benua itu, sementara kelompok yang aktif di rumah-tumbuh madrigalists disesuaikan bentuk Italia untuk selera Inggris: komposer terkenal termasuk Thomas Morley, John Wilbye dan Thomas Weelkes. Spanyol dikembangkan gaya instrumental dan vokal sendiri, dengan Tomas musik Luis de Victoria menulis halus mirip dengan Palestrina, dan komposer lainnya banyak menulis untuk gitar baru. Jerman polifonik dibudidayakan bentuk dibangun di chorales Protestan, yang menggantikan Katolik Roma Gregorian Chant sebagai dasar untuk musik sakral, dan impor gaya sekolah Venesia (penampilan yang mendefinisikan awal dari era Baroque sana). Selain itu, komponis Jerman menulis sejumlah besar musik organ, membentuk dasar untuk gaya organ kemudian Baroque yang memuncak dalam karya JS Bach. Perancis mengembangkan gaya yang unik dari diksi musik yang dikenal sebagai musique mesurée, yang digunakan dalam chansons sekuler, dengan komposer seperti Guillaume Costeley dan Claude Le Jeune menonjol dalam gerakan.

Salah satu gerakan yang paling revolusioner di era berlangsung di Florence pada 1570-an dan 1580-an, dengan karya Camerata Florentine, yang ironisnya memiliki niat reaksioner: tidak puas dengan apa yang mereka lihat sebagai depravities musik kontemporer, tujuan mereka adalah untuk mengembalikan musik dari Yunani kuno. Kepala di antara mereka adalah Vincenzo Galilei, ayah dari astronom, dan Giulio Caccini. Buah dari pekerjaan mereka adalah gaya menyanyi melodi dgn rasa yang dikenal sebagai lagu penguburan, dan yang sesuai dipentaskan bentuk dramatis: sebuah bentuk yang dikenal hari ini sebagai opera. Opera pertama, ditulis sekitar 1600, juga menentukan akhir Renaisans dan awal era Barok.

Musik sebelum 1600 adalah modal ketimbang tonal. Beberapa teori perkembangan akhir abad 16, seperti tulisan-tulisan tentang sisik pada mode oleh Gioseffo Zarlino dan Franchinus Gaffurius, dipimpin langsung untuk pengembangan tonalitas praktek umum. Skala besar dan kecil mulai mendominasi atas mode gereja tua, sebuah fitur yang pada awalnya yang paling jelas pada titik-titik cadential dalam komposisi, namun secara bertahap menjadi luas. Musik setelah 1600, dimulai dengan musik nada dari era Baroque, sering disebut sebagai milik periode praktek umum.
Musik barok
J. S. Bach
Artikel utama: musik Barok

Musik instrumental menjadi dominan di Baroque, dan bentuk musik paling utama yang didefinisikan. Counterpoint adalah salah satu kekuatan utama dalam kedua instrumental dan musik vokal periode. Meskipun tradisi musik yang kuat agama terus, musik sekuler datang ke depan dengan perkembangan sonata, konserto, dan Grosso konserto.

Musik Baroque banyak yang dirancang untuk improvisasi, dengan bass yang disediakan oleh komposer pikir bagi pemain untuk menyempurnakan dan ornamen. Keyboard, khususnya piano, adalah instrumen yang dominan, dan awal dari temperamen juga membuka kemungkinan bermain di semua kunci dan modulasi.
Piano kuno

Banyak musik Barok menampilkan basso continuo yang terdiri dari keyboard, baik harpsichord atau organ (kadang-kadang kecapi gantinya), dan instrumen bass, seperti biola da gamba atau Apresiasi. Tiga komposer luar biasa dari periode yang Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, dan Antonio Vivaldi, namun sejumlah komponis lain, beberapa dengan output besar, aktif di periode.
Musik klasik era
Artikel utama: Periode Klasik (musik)

Musik periode Klasik ditandai dengan tekstur homophonic, atau melodi yang jelas dengan iringan. Melodi baru ini cenderung menjadi hampir suara-suka dan singable, yang memungkinkan komposer untuk benar-benar menggantikan penyanyi sebagai fokus musik. Musik instrumental karena cepat diganti opera dan lainnya dinyanyikan bentuk (seperti Oratorio) sebagai favorit penonton musik dan lambang komposisi besar. Namun, opera tidak menghilang: selama periode klasik, beberapa komposer mulai memproduksi opera untuk masyarakat umum dalam bahasa ibu mereka (opera sebelumnya umumnya di Italia).
Komposisi Wolfgang Amadeus Mozart dicirikan musik dari era klasik.

Seiring dengan perpindahan secara bertahap dari suara dalam mendukung kuat, melodi jelas, pengiring juga biasanya menjadi dekoratif berkembang, sering digunakan di dekat akhir pekerjaan atau untuk satu gerakan. Dalam gantinya, pola sederhana, seperti arpeggio, dan dalam musik piano, bass Alberti (iringan dengan pola berulang biasanya di tangan kiri), digunakan untuk menghidupkan gerakan potongan tanpa membuat suara tambahan membingungkan. Musik sekarang-populer berperan didominasi oleh beberapa didefinisikan dengan baik bentuk: sonata, simfoni, dan konserto, meskipun tidak satu pun yang didefinisikan secara spesifik atau diajarkan pada saat seperti sekarang dalam teori musik. Semua tiga berasal dari bentuk sonata, yang digunakan untuk merujuk baik untuk bentuk atasnya dari seluruh pekerjaan dan struktur gerakan tunggal. Sonata bentuk matang selama era klasik menjadi bentuk utama dari komposisi instrumen sepanjang abad ke-19.

Periode Klasik awal diantar oleh Sekolah Mannheim, termasuk komposer seperti Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz, dan Kristen Cannabich. Ini diberikan pengaruh yang besar pada Joseph Haydn dan, melalui dia, semua musik Eropa berikutnya. Wolfgang Amadeus Mozart adalah tokoh sentral periode Klasik, dan output-nya fenomenal dan beragam dalam semua genre mendefinisikan persepsi kita tentang periode. Ludwig van Beethoven dan Franz Schubert adalah komposer transisi, menuju periode Romantis, dengan ekspansi mereka genre yang ada, bentuk, dan bahkan fungsi musik.
Romantis musik
Artikel utama: musik Romantis
Karakter judul dari kinerja abad ke-19 Wagner opera Siegfried

Pada periode Romantis, musik menjadi lebih ekspresif dan emosional, memperluas untuk mencakup sastra, seni, dan filsafat. Romantis komposer terkenal dini termasuk Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, dan Berlioz. Akhir abad 19 melihat ekspansi dramatis dalam ukuran orkestra, dan dalam konser peran sebagai bagian dari masyarakat perkotaan. Komposer terkenal dari paruh kedua abad termasuk Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Verdi, dan Wagner. Antara tahun 1890 dan 1910, gelombang ketiga komposer termasuk Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini, dan Sibelius dibangun pada karya komposer Romantic menengah untuk membuat bahkan lebih kompleks - dan sering lebih lama - karya musik. Sebuah tanda menonjol dari musik akhir abad 19 adalah semangat nasionalisme, sebagaimana dicontohkan oleh tokoh-tokoh seperti Dvořák, Sibelius, dan Grieg. Lain menonjol akhir abad ke-angka termasuk Saint-Saëns, Faure, Rachmaninoff dan Franck.
Abad ke-20 musik
Artikel utama: musik abad ke-20

Abad ke-20 melihat sebuah revolusi dalam musik mendengarkan radio media yang mendapatkan popularitas di seluruh dunia dan baru dan teknologi dikembangkan untuk merekam, menangkap, mereproduksi dan mendistribusikan musik. Pertunjukan musik menjadi semakin visual dengan siaran dan rekaman video musik dan konser. Musik dari semua jenis juga menjadi semakin portabel. Headphone memungkinkan orang duduk di samping satu sama lain untuk mendengarkan pertunjukan yang sama sekali berbeda atau berbagi kinerja yang sama.

Musik abad ke-20 membawa kebebasan baru dan eksperimen luas dengan gaya musik baru dan bentuk-bentuk yang menantang aturan diterima musik periode sebelumnya. Penemuan amplifikasi musik dan instrumen elektronik, terutama synthesizer, pada pertengahan abad ke-20 merevolusi musik populer dan mempercepat pengembangan bentuk-bentuk baru dari musik.
Lihat juga: musik klasik kontemporer dan Sejarah rekaman suara.
Musik klasik
Artikel utama: Musik klasik

Musik klasik adalah istilah yang luas, agak tidak tepat, mengacu pada musik yang dihasilkan, atau berakar pada tradisi seni, gerejawi dan konser musik. Musik klasik adalah jika mencakup beberapa fitur berikut: tradisi belajar, dukungan dari gereja atau pemerintah, atau modal budaya yang lebih besar. Musik klasik juga digambarkan sebagai kompleks, abadi, transenden, dan abstrak. Dalam banyak kebudayaan tradisi klasik hidup berdampingan dengan musik tradisional atau populer, kadang-kadang selama ribuan tahun, dan dengan berbagai tingkat pinjaman dengan tradisi saling paralel.
Byzantium
Artikel utama: musik Bizantium

Bizantium musik (Yunani: Βυζαντινή Μουσική) adalah musik dari Kekaisaran Bizantium disusun untuk teks Yunani sebagai seremonial, festival, atau musik gereja [1] sejarawan Yunani dan asing setuju bahwa nada gerejawi dan secara umum seluruh sistem musik Bizantium. erat terkait dengan sistem Yunani kuno [2]. Ini tetap genre musik tertua yang masih ada, yang cara kinerja dan (dengan akurasi meningkat dari abad ke-5 dan seterusnya) nama-nama komposer, dan kadang-kadang khusus dari masing-masing musik situasi pekerjaan itu, dikenal.
Asia
Artikel utama: musik Asia

Musik Asia meliputi budaya musik Arab, Asia Tengah, Asia Timur, Asia Selatan, dan Asia Tenggara.

Lihat juga: Musik Gagaku, gamelan, musik klasik Korea #, dan musik Jepang.

India
Artikel utama: musik klasik India
Purandara Dasa, ayah musik Carnatic

Musik India adalah salah satu tradisi musik tertua di dunia. [14] Peradaban Lembah Indus meninggalkan patung-patung yang menunjukkan tari [15] dan alat musik (beberapa tidak lagi digunakan), seperti seruling bersembunyi tujuh. Berbagai jenis instrumen senar dan drum telah pulih dari Harrappa dan Mohenjo daro oleh penggalian dilakukan oleh Sir Mortimer Wheeler [16]. Rigveda memiliki unsur-unsur musik India sekarang, dengan notasi musik untuk menunjukkan meter dan modus nyanyian. [17] tradisi musik Dini India juga berbicara tentang tiga aksen dan musik vokal yang dikenal sebagai "Samagan" (Sama artinya melodi dan Gan artinya menyanyi) [18] musik klasik India mencakup dua tradisi utama:. Carnatic musik selatan dan Hindustan Utara musik klasik. Tradisi musik klasik India adalah ribuan panjang dan tetap penting untuk kehidupan orang India hari ini sebagai sumber inspirasi agama, ekspresi budaya, dan hiburan.

Musik klasik India (marga) adalah monophonic, dan berdasarkan garis melodi tunggal atau raga berirama diorganisasikan melalui talas. Carnatic musik sebagian besar bakti; mayoritas lagu-lagu yang ditujukan kepada dewa-dewa Hindu. Ada banyak lagu-lagu cinta dan menekankan isu-isu sosial lainnya. Berbeda dengan musik Carnatic, Hindustan musik tidak hanya dipengaruhi oleh tradisi Hindu kuno musik, filsafat Veda dan suara asli India tetapi juga oleh praktek-praktek kinerja Persia Dinasti Mogul Afghanistan. Asal-usul musik klasik India dapat ditemukan dari tertua dari kitab suci, bagian dari tradisi Hindu, Veda. Samaveda, salah satu dari empat Veda mendeskripsikan musik panjang lebar.
Cina
Artikel utama: musik klasik Cina

Musik klasik Cina adalah seni tradisional atau pengadilan musik dari Cina. Ini memiliki sejarah panjang yang membentang selama lebih dari tiga ribu tahun. Ini memiliki sistem sendiri yang unik notasi musik, serta tala musik dan pitch, instrumen musik dan gaya atau genre musik. Musik pentatonik-Cina diatonis, memiliki dua belas skala catatan untuk satu oktaf (5 +7 = 12) seperti halnya musik Eropa yang dipengaruhi.
Timur Tengah
Lihat juga: musik klasik Arab dan musik klasik Andalusia.
Persia
Iran Kuno terpasang sangat penting untuk musik dan puisi, karena mereka masih lakukan hari ini. Piring abad ke-7 menggambarkan musisi zaman Sassania. British Museum.
Artikel utama: musik tradisional Persia

Persia musik adalah musik dari Persia dan bahasa Persia negara: musiqi, ilmu dan seni musik, dan muzik, suara dan kinerja musik (Sakata 1983). Lihat: Musik Iran, Musik Afganistan, Musik Tajikistan, Musik Uzbekistan.
Yunani
Artikel utama: Musik di Yunani

Sejarah tertulis Yunani meluas jauh kembali ke Yunani Kuno, dan merupakan bagian utama dari teater Yunani kuno. Di Yunani kuno, paduan suara campuran jender dilakukan untuk alasan hiburan, perayaan dan spiritual. Instrumen termasuk ganda buluh aulos dan instrumen memetik senar, kecapi, terutama jenis khusus yang disebut kithara. Musik adalah bagian penting dari pendidikan di Yunani kuno, dan anak laki-laki diajarkan musik dimulai pada usia enam.