Avenged Sevenfold

Avenged Sevenfold adalah band rock Amerika / metal dari Huntington Beach, California, yang dibentuk pada tahun 1999. Band ini terdiri dari vokalis M. Shadows, lead guitar Synyster Gates, Zacky Vengeance rhythm guitar, dan bassist Johnny Christ.

Avenged Sevenfold muncul dengan genre metalcore pada debut mereka Sounding the Seventh Trumpet, yang mengandung banya vokal scream. Band ini mengubah gaya mereka di album ketiga mereka dan rilis major label, City of Evil, yang menampilkan vokal melodis dan power ballad. Band ini terus mengeksplorasi suara baru dengan mengeluarkan yang berjudul Avenged Sevenfold dan menikmati kesuksesan mainstream lanjutan sebelum drummer mereka, James "The Rev" Sullivan, meninggal karena penyakit jantung dan dampak gabungan dari obat dan alkohol di tubuhnya pada tahun 2009. Meskipun kematiannya, band ini melanjutkan dengan bantuan kemudian mantan drummer Dream Theater Mike Portnoy untuk merilis dan melakukan tur dalam mendukung Nightmare, album kelima mereka pada tahun 2010 yang memulai debutnya di tempat atas, Billboard 200 yang berada di tempat pertama.

Sampai saat ini, Avenged Sevenfold telah merilis lima album studio, satu album live / kompilasi / DVD, dan enam belas single . Band ini telah menerima banyak penghargaan untuk kesuksesan mainstream di seluruh dunia mereka dan terutama dinyatakan sebagai salah satu pemimpin dan band kunci dalam New Wave of American Heavy Metal dan tampil sebagai tempat kedua di Atas Ultimate Guitar's Top Ten Band Decade.

Daftar isi [sembunyikan] 1 Biografi 1.1 Permulaan (1999-2004) 1.2 City of Evil (2005-2007) 1.3 Self-titled album (2007-2008) 1.4 Nightmare (2010-sekarang) 2 Diskografi 3 Kematian The Rev dan kedatangan Mike Portnoy 4 Keberangkatan Portnoy dan drummer baru (2010-sekarang) 5 Karakteristik 5.1 Genre 5.2 Nama band dan konten lirik 5.3 The Deathbat 6 Anggota Band 6.1 Timeline 7 Pranala luar

Biografi

Permulaan (1999-2004)

Band ini dibentuk pada tahun 1999 di Huntington Beach, California dengan anggota asli M. Shadows, Zacky Vengeance, The Rev dan Matt Wendt. memberi nama bandnya yang referensinya berasal dari cerita Cain dan Abel dari Bible, meskipun demikian, mereka bukanlah band agamis. Saat pembentukannya, masing-masing anggota band ini memakai nama samaran yang juga merupakan nama panggilan mereka saat bersekolah di Sekolah Menegah Atas. Sebelum merilis album debut mereka, band ini merekam dua demo pada tahun 1999 dan 2000. Album pertama mereka, Sounding the Seventh Trumpet, direkam ketika para anggota band masih berumur delapan belas tahun dan juga masih bersekolah di sekolah menengah atas. album ini pada awalnya dirilis oleh perusahaan label pertama mereka, Good Life Record pada tahun 2001. Setelah gitaris Synyster Gates bergabung dengan band, pada akhir 1999 masuk ketika ia berusia 18 tahun. Lagu "To End the Rapture" direkam ulang dengan menampilkan anggota penuh band. Album ini kemudian dirilis ulang pada Hopeless Records pada tahun 2002.

Band ini lalu mulai menerima pengakuan, mereka tampil dengan band-band seperti Mushroomhead dan Shadows Fall dan bermain di Take Action Tour. Setelah bassis keempat mereka, Johnny Christ bergabung secara permanen, mereka merilis album Waking the Fallen di Hopeless Records pada bulan Agustus 2003. Band menerima pengakuan oleh Billboard dan The Boston Globe, dan juga bermain di "Vans Warped Tour". Pada tahun 2004, Avenged Sevenfold mengadakan tur kembali di "Vans Warped Tour" dan merekam video untuk lagu "Unholy Confessions "yang masuk tangga lagu di MTV2's Headbanger's Ball. Tak lama setelah merilis Waking the Fallen, Avenged Sevenfold meninggalkan Hopeless Records dan menandatangani kontrak yang diajukan oleh Warner Bros.

City of Evil (2005-2007)

City of Evil, album ketiga band ini dirilis pada tanggal 7 Juni 2005 dan debut di # 30 di chart 200 Billboard, menjual lebih dari 30.000 kopi dalam minggu pertama. Album ini lebih classic metal dari album sebelumnya yang telah dikelompokkan ke dalam genre metalcore. Album ini juga terkenal karena tidak adanya menjerit dan menggeram. M. Shadows bekerja dengan pelatih vokal Ron Anderson-yang pernah mempunyai klien seperti Axl Rose dan Chris Cornell-selama berbulan-bulan sebelum rilis album untuk mencapai suara yang telah "grit saat masih memiliki nada ". Album ini mendapat steller review dari beberapa majalah dan website dan dikreditkan untuk mendorong band ke popularitas internasional.

Setelah bermain di Ozzfest pada tahun 2006, Avenged Sevenfold mengalahkan penyanyi R & B Rihanna dan Chris Brown, Panic! at the Disco, Angels and Airwaves dan James Blunt untuk judul Best New Artist di MTV Video Music Awards, sebagian berkat lagu "Fear and Loathing in Las Vegas"- yang menginspirasi "Bat Country."

Mereka kembali ke Vans Warped Tour, kali ini mereka headlining dan kemudian melanjutkan tour mereka sendiri "Cities of Evil Tour." Selain itu, lead single mereka "Bat Country" mencapai # 2 di Billboard Mainstream Rock Charts, # 6 pada Billboard's Modern Rock Charts dan video yang menyertainya berhasil mencapai # 1 di MTV Total Request Live.

Didorong oleh keberhasilan ini, album ini terjual laris dan menjadi catatan emas pertama Avenged Sevenfold. Ia kemudian meraih platinum pada bulan Agustus 2009.

Self-titled album (2007-2008)

Keberhasilan Avenged Sevenfold membuat mereka diundangan untuk tur 2006's Ozzfest di panggung utama, disejajarkan dengan band Heavy Metal yang terkenal seperti Dragonforce, Lacuna Coil, Hatebreed, Disturbed, dan System of a Down. Pada tahun yang sama mereka juga menyelesaikan tur di seluruh dunia, termasuk Amerika Serikat, Britania Raya (serta daratan Eropa), Jepang, Australia dan Selandia Baru. Setelah tur selama enam belas bulan di promosi City of Evil, band ini mengumumkan bahwa mereka membatalkan tur 2006 demi rekaman album baru. M. Shadows menyatakan bahwa album keempat mereka, self-titled dan self production tidak akan menjadi "City of Evil Part 2" atau "Waking the Fallen Part 2," tapi akan menggabungkan suara grittier baru . Untuk gelombang para penggemar, di antara kemunculan album baru, band ini merilis DVD pertama mereka berjudul "All Excess" pada tanggal 17 Juli 2007. All Excess, yang memulai debutnya sebagai # 1 DVD di Amerika Serikat, termasuk pertunjukan live dan backstage footage yang membentang delapan tahun karir band. Dua tribute album, Strung Out on Avenged Sevenfold: Bat Broken Wings and String dan Strung Out on Avenged Sevenfold: The String Tribute juga dirilis pada bulan Oktober 2007.

Avenged Sevenfold, album keempat band ini, dirilis pada tanggal 30 Oktober 2007, memulai debutnya di # 4 di Billboard 200 dengan lebih dari 90.000 eksemplar terjual. Dua single, "Critical Acclaim" dan "Almost Easy" yang dirilis sebelum debut album. Pada bulan Desember 2007, video animasi dibuat untuk "A Little Piece of Heaven." Karena masalah kontroversial subjek lagu, bagaimanapun, Warner Brothers hanya dirilis kepada pengguna MVI terdaftar melalui internet. Single ketiga, "Afterlife" dan videonya dirilis pada bulan Januari 2008. Single keempat mereka, "Dear God", dirilis pada tanggal 30 September 2008. Meskipun penerimaan dicampur kritis secara umum album-self titled terjual lebih dari 500.000 eksemplar dan mendapat penghargaan "Album of the Year" di Kerrang! Awards.

Headline Avenged Sevenfold di tour Taste of Chaos dengan Atreyu, Bullet for My Valentine, Blessthefall dan Idiot Pilot. Mereka menggunakan rekaman dari pertunjukan terakhir mereka di Long Beach untuk Live in LBC & Diamonds di Rough, dua- disc B-side CD dan DVD live yang dirilis pada 16 September 2008. Mereka juga merekam banyak lagu cover, termasuk Pantera "Walk", Iron Maiden's "Flash Blade" dan Black Sabbath's "Paranoid". Mereka juga akan merilis Guitar Tutorial DVD, yang meliputi lima lagu, Afterlife, Almost Easy, Bat Country, Beast and the Harlot dan Trashed and Scattered. Selama pertunjukan festival terjual habis di Leeds dan Reading, band terpaksa mempersingkat pertunjukan Leeds mereka dan membatalkan pertunjukan Reading mereka karena strain vokal yang di alami oleh M. Shadows. Beberapa hari kemudian, band ini terpaksa mengumumkan pembatalan sisa pertunjukan September, dengan tur untuk melanjutkan kembali pada 15 Oktober.

Nightmare (2010-sekarang)

Pada bulan Januari 2009, M. Shadows menegaskan bahwa band ini menulis tindak lanjut self-titled, album keempat mereka dalam bulan-bulan mendatang. Mereka juga mengumumkan bahwa mereka akan bermain di Rock on the Range, dari 16-17 Mei 2009. Pada tanggal 16 April mereka melakukan versi Guns N 'Roses' "It's So Easy" di atas panggung dengan Slash, di Nokia Theater di Los Angeles. M. Shadows adalah vokal pada album solo Slash di lagu"Nothing to Say".

Mereka mengumumkan bahwa mereka berencana untuk mulai menulis pada bulan Juni 2009 dan rekaman pada bulan Oktober 2009. M. Shadows juga mengatakan dalam sebuah wawancara dengan Loveline bahwa rekaman berikutnya akan menjadi Heavy Metal yang lebih tradisional, catatan rock lebih berorientasi, karena catatan self-titled sangat eksperimental. Dia juga mengatakan akan fitur yang lebih progresif, lagu-lagu lama dan akan menjadi "rekaman terbesar Avenged Sevenfold." Selain itu, ia mengatakan bahwa mereka mungkin berpikir tentang sebuah catatan konsep. Pada tanggal 15 Juli 2009, website mereka dan profil MySpace telah diperbarui dengan pernyataan dari M. Shadows menyiratkan yang bekerja pada album berikutnya telah dimulai dan mereka masih "melemparkan ide-ide". Pembaruan itu pada hari yang sama bahwa Waking the Fallen mendapat Gold di Amerika.

Pada tanggal 5 November 2009, Zacky Vengeance memposting pesan di website resmi menyatakan bahwa mereka telah kembali dari tur mereka dan segera mulai berfokus pada membentuk tim produksi untuk mulai merekam album. "Kami akan terus menyelesaikan lagu kita sampai kita merasa setiap catatan tidak baik Anda serta keadilan kita. Kami juga dalam tahap akhir dari memperkuat tim produksi kami, studio dan insinyur sehingga kedua kapak jatuh dan album ditulis kita akan menghabiskan hari dan malam di studio sampai selesai Album ini pasti akan membawa Anda pada sebuah perjalanan yang sangat gelap .... "

Pada tanggal 24 Desember 2009 ia mengumumkan bahwa Avenged Sevenfold telah datang di tempat kedua di Atas Ultimate Guitar's Top Ten Bands on Decade, kehilangan tempat teratas untuk Metallica. The 31 Desember 2009 edisi Kerrang! majalah termasuk wawancara dengan M. Shadows, di mana Shadows dinyatakan sebagai berikut mengenai album ini,.. "Ini adalah catatan gelap musik adalah emosional Tujuan kami adalah untuk membuat setiap bagian diingat, kami ingin membangkitkan reaksi hidup dan di rumah. Ini akan memiliki balada batu besar, hal-hal menyenangkan besar, piano, paduan suara, orkestra dan semua hal visual yang Anda harapkan tetapi dengan getaran, berbeda moodier. lirik, Saya telah terinspirasi oleh segala sesuatu dari anak-anak cara tersebut dibesarkan saat ini, untuk sekolah, ekonomi, agama, perang dan perilaku pemerintah kita ini semua. memutar ke bagaimana anak-anak sangat emosional terlepas dari dunia nyata sekarang. "

Diskografi

• Sounding the Seventh Trumpet (2001)
• Waking the Fallen (2003)
• City of Evil (2005)
• Avenged Sevenfold (2007)
• Live in the LBC & Diamonds in the Rough (2008)
• Nightmare (2010)

Kematian The Rev dan kedatangan Mike Portnoy

Pada tanggal 28 Desember 2009 drummer James"The Rev"Sullivan ditemukan meninggal di rumahnya pada umur 28 tahun. Hasil otopsi tidak dapat disimpulkan. Namun tanggal 9 juni 2010 diumumkan bahwa penyebab kematiannya adalah keracunan akibat penggunaan piskotropika yang dicampur - campur, sering juga disebut polydrug use atau "cross fading". Dalam pernyataan dari anggota band lainnya, mereka turut berbela sungkawa atas meninggalnya The Rev dan meminta untuk menghormati privasi keluarganya:

It is with great sadness and heavy hearts that we tell you of the passing today of Jimmy “The Rev” Sullivan. Jimmy was not only one of the world's best drummers, but more importantly he was our best friend and brother. Our thoughts and prayers go out to Jimmy's family and we hope that you will respect their privacy during this difficult time.

Website resmi Avenged Sevenfold menampilkan pesan dari keluarga Sullivan yang menyatakan terima kasih kepada penggemarnya atas dukungan mereka:

"We would like to thank all of Jimmy's fans for the heartfelt comments that have been posted – it is comforting to know that his genius and antics were appreciated and that he was loved so much. Our hearts are broken – he was much too young to fall. Óg agus saor go deo (forever young and free)"

Di samping itu komentar tentang kematian Sullivan, manajer band Larry Jacobson mengungkapkan bagaimana Sullivan adalah orang yang begitu baik terhadap semua orang. Jacobson berkata dalam wawancara itu:

He was expressive. He'd tell you how he felt about you -- you didn't wonder because he'd put his arm around you," he said. "He knew how to tell his friends he loved them.

Selain Jacobson ada 50 lebih artis musik yang mengomentari tentang kematian The Rev.

Pada tanggal 6 Januari 2010 jenazah di makamkan di lokasi yang dirahasiakan.

Tanggal 5 Januari 2010,majalah kerrang! menulis artikel tentang kematian The Rev.Zacky Vegeance menunjukan perasaan-nya tentang kematian The Rev

"Jimmy will always be with me in everything I do. Except sitting at home being sad, so today Im going to try to start living again. foREVer."

Selain Jacobson, lebih dari 50 seniman musik berkomentar atas kematian Sullivan. Kerrang! edisi 13 Januari 2010 menampilkan sebuah artikel tentang kematian dari The Rev, di mana fans dan bintang membayar upeti kepadanya. Bersamaan, Zacky Vengeance mengungkapkan perasaannya sendiri tentang kelulusan, yang menyatakan bahwa "Jimmy akan selalu dengan saya dalam segala hal aku lakukan Kecuali duduk di rumah selamanya menjadi sedih, sehingga hari ini aku akan mencoba untuk memulai hidup lagi..."

Dalam sebuah wawancara dengan M. Shadows tentang kematian The Rev, Shadows mengkonfirmasi rilis Juli untuk album kelima Avenged Sevenfold "Saya memiliki banyak yang perlu dibicarakan tetapi tidak dapat menemukan kata-kata jadi saya akan menunggu sampai waktu yang bisa memungkinkan saya untuk menemukan cara untuk mengekspresikan diri. Adapun sisa dari kami, telah menjadi jelas apa yang perlu kita lakukan Kami baru saja selesai rekaman dengan Jimmy.. Saya tidak bisa menjanjikan apa yang masa depan karena sekarang ini terlalu menyakitkan untuk dipikirkan, tetapi kita tahu bahwa kita perlu untuk merekam dan mengeluarkan rekaman ini untuk menghormati Jimmy. Dia akan menelepon saya setiap malam untuk berbicara tentang lagu dan katakan adalah ini akan mengubah dunia. "Saya setuju dengan dia, sayangnya saya tidak tahu itu akan menggunakan istilah ini Harap bersabar dengan kami karena kami tidak bisa membayangkan betapa sulitnya ini akan menjadi untuk lolos, kita hanya tahu kita harus melakukannya untuk warisannya.. Setelah itu, siapa tahu? "

Dalam wawancara terbaru yang dilakukan oleh surat kabar Huntington Beach Independent, orangtua Jimmy Sullivan, Babara dan Joseph mengungkapkan informasi berikut tentang album baru Avenged Sevenfold: "Paling penting baginya, Jimmy baru saja selesai menulis lagu untuk album baru Avenged Sevenfold - ia bahkan menyebutnya masterpiece. Ketika ia menulis lagu, dia akan merekam, bermain piano dan drum - kemudian, lalu ketika ia bermain itu semua untuk saya, dia akan menyanyikan bagian orkestra atau gitar yang akan ditambahkan kemudian. Saya bersyukur bahwa saya harus mengatakan padanya betapa aku menyukai dan mengagumi musiknya. Kemudian, Barbara berkomentar bahwa, "tulisan Jimmy dalam beberapa lagu benar-benar baik Saya sangat bangga padanya,. dan aku tahu bahwa meskipun akan sangat sulit bagi mereka, band ini akan melakukan pekerjaan yang besar membuat mereka rekam segera. Tak perlu dikatakan , rekaman ini 'semua Jimmy' hampir tidak mungkin bagi saya untuk mendengarkan, tapi apa berkat untuk memiliki mereka. " Mereka berencana untuk mendedikasikan album baru mereka untuk The Rev.

Pada tanggal 17 Februari 2010, Avenged Sevenfold menyatakan bahwa mereka telah memasuki studio, bersama denganmantan drummer Dream Theater, Mike Portnoy, untuk drum untuk rekaman, di tempat Rev "Saya ingin fans kami tahu bahwa dengan Jimmy di dalam kita hati, perjalanan kita untuk merekam secara resmi dimulai. Jimmy membantu meninggalkan dunia ini hadiah yang mengagumkan dan sekarang sudah menjadi tugas kami untuk memastikan untuk menyampaikan bahwa hadiah untuk fans kami Kami bertanya. Drummer favorit Jimmy sepanjang masa Mike Portnoy untuk mencatat atas nama dirinya. Mike mengatakan akan menjadi kehormatan dan tanpa pertanyaan itulah yang pasti diinginkan Jim. Sangat nyaman kepada kita bahwa seseorang seperti Mike, yang tidak diragukan lagi dihormati sebagai salah satu drumer terbaik di dunia, memberikan penghormatan dan kepedulian untuk kemampuan The Rev's. Meskipun tidak akan sama tanpa saudara kita oleh pihak kita, esensi nya tinggal di hati kita dan melalui musik dia membantu menciptakan Dia adalah legenda sebelum salah satu keberhasilan atau semua itu omong kosong dan. kami sangat senang untuk berbaring ini untuk fans kami, dan terutama untuk Jimmy. "

Pada tanggal 17 April 2010, sebuah pesan singkat dari Zacky Vengeance telah diposting di resmi Avenged Sevenfold Twitter: "Tracking selesai Tidak ada kata-kata yang pernah akan menggambarkan perasaan mendengarkan album ini saat mengemudi sendiri di rumah pada 4:00.." Single "Nightmare" dirilis secara digital pada tanggal 18 Mei 2010. Sebuah preview untuk lagu ini dirilis pada 6 Mei 2010 pada Amazon.com, namun dilepas segera setelah untuk alasan yang tidak diketahui.

Pada tanggal 12 Mei 2010, M. Shadows dan Synyster Gates mampir ke harddisk (acara radio) di mana mereka menjelaskan rincian tentang Nightmare sebelum rilis:

“

[...] The new album, Nightmare, is dedicated to The Rev memory and although it's not exactly a concept album, it does center around The Rev. The eeriest thing about it is there is a song on the album called "Fiction" (a nickname The Rev gave himself) which started out with the title "Death". And the song was the last song The Rev wrote for the album, and when he handed it in, he said, that’s it, that’s the last song for this record. And then 3 days later, he died. "

”

Mixing untuk album tersebut sudah selesai di New York City, dan album ini akhirnya dirilis di seluruh dunia pada tanggal 27 Juli 2010. Album ini mendapat review positif dari kritikus musik tapi. Disambut baik oleh fans. Nightmare memulai debutnya di nomor satu di Billboard 200 dengan penjualan 163.000 unit di minggu pertama.

Keberangkatan Portnoy dan drummer baru (2010-sekarang)

Pada tanggal 16 Desember 2010, Portnoy mengumumkan melalui Facebook bahwa ia tidak lagi akan bekerja dengan Avenged Sevenfold. Band ini memposting pernyataan di website mereka pada 17 Desember 2010 yang menyatakan bahwa Mike Portnoy tidak akan menjadi pengganti posisi The Rev, tetapi ada drummer baru yang telah dipilih untuk uji coba selama tahun 2011 dan menunjukkan berpotensi menjadi anggota tetap.

Pada tanggal 20 Januari 2011, Avenged Sevenfold mengumumkan melalui Facebook mantan drummer Confide Arin Ilejay akan tur dengan mereka mulai tahun ini tetapi belum mendapatkan tempat sebagai drummer permanen.

Avenged Sevenfold akan tampil di Rock am Ring dan Rock im Park festival pada tanggal 3-5, 2011 bersama band-band lain seperti Alter Bridge, System of a Down, dan In Flames.

Karakteristik

Genre

Material Avenged Sevenfold meliputi berbagai genre dan telah berkembang selama karier tahun band sepuluh. Awalnya, debut album Sounding the Seventh Trumpet terdiri hampir seluruhnya dari Metalcore, namun ada beberapa penyimpangan untuk genre ini, terutama dalam "Streets" yang mengadopsi gaya punk dan "Warmness on the Soul," yang merupakan piano balada-oriented. Pada Waking the Fallen, band metalcore ditampilkan dengan gaya kontemporer sekali lagi, tetapi menambahkan vokal bersih lebih luas serta unsur-unsur musik yang lebih matang dan rumit. Dalam band DVD All Excess, produser Andrew Mudrock menjelaskan transisi ini: "Ketika saya bertemu band setelah Sounding the Seventh Trumpet telah keluar sebelum mereka telah mencatat Waking the Fallen, M. Shadows berkata kepadaku 'rekaman ini scream. kami ingin membuat akan menjadi setengah-setengah scream dan bernyanyi. Aku tidak ingin menjerit lagi dan catatan setelah itu akan menjadi bernyanyi semua.. ""

Di City of Evil, album ketiga Avenged Sevenfold, band ini memilih untuk meninggalkan genre metalcore, mengembangkan gaya rock yang lebih keras. Album Avenged Sevenfold's self-titled, sekali lagi, terdiri dari beberapa penyimpangan untuk genre yang kurang konsisten dan gaya dari main hard rock dan lagu-lagu heavy metal, terutama dalam "Dear God", yang mengadopsi gaya country dan "A Little Piece of Heaven ", yang dilingkari dalam pengaruh lagu pertunjukan Broadway, terutama menggunakan instrumen kuningan dan gesekan orkestra untuk mengambil alih sebagian dari peran memimpin dan gitar ritme. Nightmare mengandung penyimpangan lebih lanjut, termasuk piano ballad yang disebut "Fiction" dan kembali singkat ke akar Metalcore mereka pada "God Hates Us". Band ini telah banyak berubah sejak album pertama mereka, di mana selama waktu itu mereka telah ditandai sebagai band berat dengan menjerit dan menggeram gaya vokal dikombinasikan dengan vokal bersih, menenggak riff gitar dan kerusakan yang satu dapat harapkan dari genre Metalcore.

Nama band dan konten lirik

Dalam sebuah wawancara untuk Majalah Skratch M. Shadows mengatakan "nama itu sendiri berasal dari Alkitab ini pada dasarnya pembunuhan pertama di Bumi antara Kain dan Habel.. [namanya adalah] 'apa yang terjadi di sekitar, datang sekitar' semacam itu. Dan hanya sehingga tidak ada kebingungan, Avenged Sevenfold bukan band agama "Bagian dari Alkitab dimana nama datang adalah Kejadian (King James Bible) - khususnya Kejadian 4:15, dimana Cain dihukum hidup di pengasingan untuk membunuh saudaranya. "Dan TUHAN berfirman kepadanya, demikian Kain barangsiapa slayeth, dendam harus diambil pada dirinya tujuh kali Dan TUHAN membuat tanda pada Kain, supaya setiap menemukan dia harus membunuh dia.". Singkatan "A7X" untuk nama band mereka adalah gagasan gitaris Zacky Vengeance. Judul lagu Avenged Sevenfold's "Chapter Four" mengacu pada bab keempat kitab Kejadian, di mana cerita Kain dan Habel terjadi. Subjek lagu juga tampaknya cerita ini. "Beast and the Harot", namun lagu lain yang berasal dari Alkitab, berasal dari Kitab Wahyu hanya itu ditulis dalam orang pertama dan mengacu pada hukuman Babel Besar, kerajaan dunia dan kursi dari agama palsu.

Referensi lain Alkitab terjadi dalam lagu "The Wicked End". Dalam lagu ini, beberapa kali dikatakan "dust the apple off, savor each bite, and deep inside you know Adam was right" membuat rujukan kepada Hawa memakan buah terlarang. Walaupun judul dan nama band panggung anggota 'membuat referensi untuk agama, Shadows dinyatakan dalam sebuah wawancara bahwa mereka bukan band agama. "Siapa saja yang membaca lirik dan benar-benar tahu apa-apa tentang kami, mereka akan tahu kita tidak mempromosikan,"katanya. "Itu satu hal tentang band ini, bahwa aku mengasihi bahwa kita tidak pernah benar-benar mendorong berbagai macam, seperti, keyakinan politik atau agama pada orang. Kami hanya musik di sana untuk menghibur dan mungkin pemikiran di kedua sisi, tapi kita tidak mencoba. Seperti, benar-benar mendorong sesuatu ke dalam tenggorokan seseorang. Ada terlalu banyak band yang melakukan itu saat ini, saya pikir.. "Band ini memiliki beberapa lagu yang agak politik di alam seperti "Critical Acclaim", "Gunslinger" dan "Blinded in Chains". Lagu "Betrayed" dalam

The Deathbat

Logo band yang dikenal sebagai "Deathbat". Ini pada awalnya dirancang oleh seorang teman seni SMA Avenged Sevenfold, Mikha Montague, seperti yang terlihat pada band DVD pertama, Semua Kelebihan. The Deathbat telah muncul di semua album band, banyak yang dilakukan oleh Cameron Rackam, teman dekat dari band. The Deathbat telah berkembang dari hanya menjadi tengkorak dengan sayap kelelawar, untuk kadang-kadang muncul sebagai "ukuran orang" kerangka penuh dengan sayap kelelawar, seperti dapat dilihat pada cover album City of Evil dan Nightmare dan pada single "Dear God" dan "Scream". Pada Sounding the Seventh Trumpet, ada gambar dua orang (di mana tampaknya Kain dan Habel), seorang malaikat lain seperti manusia dan Deathbat semi-opak di bawahnya, beberapa Deathbat muncul di bagian belakang sampul album juga. Para Deathbat juga muncul di sampul sejumlah single seperti "Bat Country", "Warmness on the Soul" dan "Critical Acclaim".

Anggota Band

Para anggota band sesekali memainkan instrumen selain instrumen utama mereka tercantum di bawah ini.

Anggota Aktif

• M. Shadows – lead vocals (1999–sekarang)
• Zacky Vengeance – rhythm guitar,backing vocals (1999–sekarang)
• Synyster Gates – lead guitar, backing vocals (2000–sekarang)
• Johnny Christ – bass, backing vocals (2003–sekarang)

Mantan Anggota

• The Rev – drum,vocal (1999–2009)
• Matt Wendt – bass (1999–2000)
• Justin Sane – bass (2000–2002)
• Dameon Ash – bass (2002–2003)

Anggota Tambahan

• Mike Portnoy - drum (2010)
• Arin Ilejay - drum (2010-sekarang)

Musik Pop

Hatch dan Millward mendefinisikan musik pop sebagai "tubuh musik yang dibedakan dari populer, jazz dan musik rakyat" . Meskipun musik pop sering dilihat sebagai berorientasi pada grafik single itu bukan jumlah dari semua musik grafik, yang selalu berisi lagu-lagu dari berbagai sumber, termasuk klasik, jazz, rock, dan lagu-lagu baru, sementara musik pop sebagai genre biasanya dilihat sebagai yang ada dan berkembang secara terpisah dengan demikian. "musik pop" dapat digunakan untuk menggambarkan genre yang berbeda, ditujukan pada pasar kaum muda, sering ditandai sebagai alternatif lembut untuk rock and roll.

Musik Jazz

Jazz bisa sangat sulit untuk menentukan karena membentang dari waltz Ragtime untuk fusi era tahun 2000-an. Meskipun banyak upaya telah dilakukan untuk menentukan jazz dari sudut pandang di luar jazz, seperti menggunakan sejarah musik Eropa atau musik Afrika, kritikus jazz Joachim Berendt berpendapat bahwa semua upaya tersebut tidak memuaskan. Salah satu cara untuk berkeliling masalah definisi adalah untuk mendefinisikan jazz "istilah" lebih luas. Berendt mendefinisikan jazz sebagai bentuk "seni musik yang berasal dari Amerika Serikat melalui konfrontasi orang kulit hitam dengan musik Eropa", ia berpendapat bahwa jazz berbeda dari musik Eropa dalam jazz yang memiliki hubungan "khusus untuk waktu, yang didefinisikan sebagai 'ayunan' "," sebuah spontanitas dan vitalitas produksi musik di mana improvisasi memainkan peran ", dan" kemerduan dan cara ungkapan yang cermin individualitas dari musisi jazz melakukan ".

Travis Jackson juga mengusulkan definisi yang lebih luas dari jazz yang mampu mencakup seluruh era yang berbeda secara radikal: ia menyatakan itu adalah musik yang mencakup kualitas seperti "berayun", improvisasi, interaksi kelompok, mengembangkan sebuah" suara individu, dan menjadi 'terbuka' untuk kemungkinan musik yang berbeda Krin Gabbard mengklaim bahwa" jazz adalah membangun "atau kategori yang, sementara buatan, masih berguna untuk menunjuk" sejumlah musics dengan cukup umum harus dipahami sebagai bagian dari sebuah tradisi yang koheren ".

Sementara jazz mungkin sulit untuk menentukan, improvisasi jelas salah satu elemen kunci. Awal blues pada umumnya terstruktur sekitar pola panggilan-dan-respon yang berulang, unsur umum dalam tradisi lisan Afrika Amerika. Suatu bentuk musik rakyat yang meningkat di bagian dari lagu kerja dan bidang hollers Hitam pedesaan, blues awal juga sangat improvisasi. Fitur-fitur ini mendasar dengan sifat jazz. WhilProxy-Connection: hidup terus-Cache-Control: max-age = 0

dalam unsur-unsur musik klasik Eropa interpretasi, ornamen dan pendampingan kadang-kadang kiri ke kebijaksanaan yang berprestasi itu, tujuan utama adalah pemain memainkan komposisi seperti yang tertulis.

Dalam jazz, Namun, pemain ahli akan menafsirkan sebuah lagu dengan cara yang sangat individu, tidak pernah memainkan komposisi yang sama persis dengan cara yang sama dua kali. Tergantung mood pemain dan pengalaman pribadi, interaksi dengan sesama musisi, atau bahkan anggota audiens, seorang musisi jazz / pemain dapat mengubah melodi, harmoni atau waktu penandatanganan di akan. musik klasik Eropa telah dikatakan media komposer. Jazz, namun, sering ditandai sebagai produk kreativitas egaliter, interaksi dan kolaborasi, menempatkan nilai yang sama pada kontribusi dari komposer dan pelaku, 'tangkas berat [ing] klaim masing-masing komposer dan improvisasi' .

Di New Orleans dan Dixieland jazz, performer bergantian bermain melodi, sementara yang lain countermelodies improvisasi. Dengan era swing, big band datang untuk lebih mengandalkan musik diatur: pengaturan entah tertulis atau dipelajari oleh telinga dan hafal - banyak artis jazz awal tidak bisa membaca musik. solois Individu akan berimprovisasi dalam pengaturan ini. Kemudian, di bebop fokus bergeser ke arah kelompok-kelompok kecil dan pengaturan minimal; melodi (dikenal sebagai kepala "") akan dinyatakan secara singkat pada awal dan akhir bagian, tapi inti dari kinerja akan menjadi serangkaian improvisasi dalam tengah. Kemudian gaya jazz seperti jazz modal meninggalkan gagasan ketat kemajuan akord, yang memungkinkan individu musisi berimprovisasi bahkan lebih bebas dalam konteks skala tertentu atau mode. avant-garde dan idiom jazz bebas izin, bahkan memanggil, meninggalkan chords, sisik, dan meter berirama.

Telah lama ada perdebatan di komunitas jazz atas definisi dan batas-batas "jazz". Meskipun perubahan atau transformasi jazz oleh pengaruh baru awalnya sering dikritik sebagai kehinaan "," Andrew berpendapat Gilbert jazz yang memiliki kemampuan "untuk menyerap dan mengubah pengaruh" dari gaya musik yang beragam. Sementara beberapa penggemar jenis tertentu jazz berpendapat untuk definisi sempit yang mengecualikan berbagai jenis musik juga dikenal sebagai "jazz", musisi jazz sendiri sering enggan untuk mendefinisikan musik mereka bermain. Duke Ellington menyimpulkan dengan mengatakan, "Ini semua musik." Beberapa kritikus bahkan menyatakan bahwa musik Ellington bukanlah jazz karena diatur dan mengatur. Pada teman sisi lain Ellington dua puluh solo Earl Hines's "transformatif versi "komposisi Ellington (pada Earl Hines Dimainkan Duke Ellington dicatat pada tahun 1970) yang dijelaskan oleh Ben Ratliff, New York Times kritikus jazz, seperti" sebagai contoh yang baik dari proses jazz sebagai sesuatu di luar sana ".

Berorientasi komersial atau populer yang dipengaruhi musik jazz bentuk memiliki keduanya lama dikritik, setidaknya sejak munculnya Bop. penggemar jazz tradisional telah diberhentikan Bop, tahun 1970-an jazz [era fusi dan banyak lain] sebagai periode penurunan nilai komersial dari musik. Menurut Bruce Johnson, musik jazz selalu memiliki ketegangan "antara jazz sebagai musik komersial dan bentuk seni" catatan Gilbert itu. Sebagai gagasan tentang kanon jazz adalah berkembang, "prestasi masa lalu" dapat menjadi "... istimewa atas kreativitas istimewa ..." dan inovasi seniman saat Village Voice. jazz kritikus Gary Giddins berpendapat bahwa sebagai penciptaan dan penyebaran jazz semakin dilembagakan dan didominasi oleh perusahaan hiburan besar, jazz adalah menghadapi "sebuah. .. masa depan berbahaya kehormatan dan penerimaan tertarik "David Ake. memperingatkan bahwa penciptaan" norma "dalam jazz dan pembentukan tradisi jazz" "mungkin mengecualikan atau sampingan lainnya yang lebih baru, avant-garde bentuk jazz . Kontroversi juga muncul lebih dari bentuk-bentuk baru jazz kontemporer dibuat di luar Amerika Serikat dan berangkat secara signifikan dari gaya Amerika Di satu pandangan mereka merupakan bagian penting dari pengembangan saat ini jazz itu;. di lain mereka kadang-kadang dikritik sebagai penolakan terhadap tradisi jazz penting.

Musik Rock

Musik rock adalah genre musik populer yang mulai diketahui secara umum pada pertengahan tahun 50an. Akarnya berasal dari rhythm and blues, musik country dari tahun 40 dan 50-an serta berbagai pengaruh lainnya. Selanjutnya, musik rock juga mengambil gaya dari berbagai musik lainnya, termasuk musik rakyat (folk music), jazz dan musik klasik.

Bunyi khas dari musik rock sering berkisar sekitar gitar listrik atau gitar akustik, dan penggunaan back beat yang sangat kentara pada rhythm section dengan gitar bass dan drum, dan kibor seperti organ, piano atau sejak 70-an, synthesizer. Disamping gitar atau kibor, saksofon dan harmonika bergaya blues kadang digunakan sebagai instrumen musik solo. Dalam bentuk murninya, musik rock "mempunyai tiga chords, bakcbeat yang konsisten dan mencolok dan melody yang menarik".

Pada akhir tahun 60-an dan awal 70-an, musk rock berkembang menjadi beberapa jenis. Yang bercampur dengan musik folk (musik daerah di amerika) menjadi folk rock, dengan blues menjadi blues-rock dan dengan jazz, menjadi jazz-rock fusion. Pada tahun 70an, rock menggabungkan pengaruh dari soul, funk, dan musik latin. Juga di tahun 70an, rock berkembang menjadi berbagai subgenre (sub-kategori) seperti soft rock, glam rock, heavy metal, hard rock, progressive rock, dan punk rock. Sub kategori rock yang mencuat ditahun 80an termasuk New Wave, hardcore punk dan alternative rock. Pada tahun 90an terdapat grunge, Britpop, indie rock dan nu metal.

Sebuah kelompuk pemusik yang mengkhususkan diri memainkan musik rock dijuluki rock band atau rock group (grup musik rock). Rock group banyak yang terdiri dari pemain gitar, penyanyi utama (lead singer), pemain gitar bass, dan drummer (pemain drum), membentuk sebuah quartet. Beberapa group menanggalkan satu atau dua posisi diatas dan/atau menggunakan pennyanyi utama sebagai pemain alat musik disamping menyanyi, membentuk duo atau trio. Group lainnya memiliki pemusik tambahan seperti dua rhythm gitar dan atau seorang keyboardist (pemain kibor). Agak lebih jarang, penggunaan alat musik bersenar seperti biola, cello atau alat tiup seperti saksofon, trompet atau trombon.

Musik Prasejarah

Musik prasejarah, sekali lebih sering disebut musik primitif, adalah nama yang diberikan kepada semua musik yang dihasilkan dalam budaya belum melek huruf (prasejarah), dimulai di suatu tempat dalam sejarah geologi sangat terlambat. Musik prasejarah diikuti dengan musik kuno di sebagian besar Eropa (1500 SM) dan musik kemudian di wilayah Eropa yang dipengaruhi berikutnya, tapi masih ada di daerah-daerah terpencil.

Musik Prasejarah sehingga secara teknis mencakup semua musik dunia yang telah ada sebelum munculnya dari setiap sumber sejarah yang masih ada saat ini tentang musik yang, misalnya, musik tradisional Amerika asli suku Aborigin belum melek huruf dan musik Australia. Namun, lebih umum untuk menyebut musik "prasejarah" non-Eropa benua - terutama yang masih bertahan - sebagai rakyat, musik adat atau tradisional. Asal musik tidak diketahui karena terjadi sebelum munculnya sejarah tertulis. Beberapa menyarankan bahwa asal-usul musik kemungkinan berasal dari alami suara dan irama. Musik manusia dapat gema fenomena ini menggunakan pola, pengulangan dan nada suara. Bahkan saat ini, beberapa budaya memiliki contoh tertentu dari musik mereka berniat untuk meniru suara alam. Dalam beberapa kasus, fitur ini terkait dengan kepercayaan shamanistik atau praktek. [2] [3] Hal ini juga dapat melayani hiburan (game) [4] [5] atau praktis (memikat hewan dalam berburu) [4] fungsi.

Ini adalah kemungkinan bahwa alat musik pertama adalah suara manusia itu sendiri, yang dapat membuat array yang luas dari suara, dari menyanyi, bersenandung dan bersiul melalui mengklik, batuk dan menguap. Pada tahun 2008 para arkeolog menemukan tulang seruling di gua Hohle Fels dekat Ulm, Jerman [6]. [7] [8] seruling lima bersembunyi memiliki corong berbentuk V dan terbuat dari tulang sayap burung bangkai. Pipa-pipa kayu tertua dikenal ditemukan di dekat Greystones, Irlandia, pada tahun 2004. Sebuah lubang kayu berlapis berisi sekelompok enam seruling yang terbuat dari kayu yew, antara 30 dan 50 cm, meruncing pada salah satu ujung, tetapi tanpa lubang jari. Mereka pernah mungkin telah diikat bersama-sama [9]. [Dead link]
Alkitab periode
Artikel utama: Sejarah musik dalam periode alkitabiah
"David dengan kecapinya" Paris Mazmur,
c. 960, Konstantinopel

Menurut Easton 's Bible Dictionary, Jubal disebut oleh Alkitab sebagai penemu alat musik (Kej. 4:21). Orang Ibrani jauh diberikan kepada budidaya musik. Seluruh sejarah mereka dan sastra mampu banyak bukti tentang ini. Setelah Air Bah, penyebutan pertama musik adalah di rekening Laban wawancara dengan Yakub (Kej 31:27). Setelah perjalanan kemenangan mereka dari, Laut Merah Musa dan orang Israel menyanyikan lagu mereka pembebasan (Kel. 15). Tapi masa Samuel, Daud, dan Salomo adalah zaman keemasan musik Ibrani, seperti yang dari puisi Ibrani. Musik sekarang untuk pertama kalinya sistematis dibudidayakan. Itu adalah bagian penting dari pelatihan di sekolah-sekolah para nabi (1 Sam. 10:5). Ada sekarang muncul juga kelas penyanyi profesional (2 Sam 19:35;.. Pengk 2:8). Bait Salomo, bagaimanapun, adalah sekolah besar musik. Dalam melakukan pelayanannya band besar penyanyi terlatih dan pemain instrumen yang digunakan terus-menerus (2 Sam 6:5;. 1 Taw 15:16;. 23; 5; 25:1-6). Dalam kehidupan pribadi juga musik tampaknya telah mengadakan tempat penting di antara Ibrani (Pengkotbah 2:8; Amos 6:4-6, Yes 5:11, 12;. 24:8, 9; Maz 137;. Yer 48. :. 33; Lukas 15:25) [10]

Musik dan teater sarjana mempelajari sejarah dan antropologi Semit dan awal budaya Yudeo-Kristen, juga menemukan link umum antara aktivitas teater dan musik dalam budaya klasik Ibrani dengan orang-orang dari budaya kemudian orang Yunani dan Romawi. Area umum kinerja ditemukan dalam sebuah "fenomena sosial yang disebut litani," suatu bentuk doa yang terdiri dari serangkaian doa atau permohonan. Journal of Agama dan Teater mencatat bahwa di antara bentuk-bentuk paling awal litani, "litani Ibrani didampingi oleh tradisi musik yang kaya:" [11]

"Sementara mengidentifikasi 4,21 Kejadian Jubal sebagai" bapak dari semua seperti menangani kecapi dan pipa, "adalah Pentateukh hampir diam tentang praktek dan instruksi musik di awal kehidupan Israel Kemudian,. Dalam I Samuel 10 dan teks-teks yang ikuti, hal yang aneh terjadi. "Orang menemukan dalam teks Alkitab," tulis Alfred Sendrey, "sebuah kebangkitan tiba-tiba dan tak dapat dijelaskan paduan suara besar dan orkestra, yang terdiri dari kelompok musik secara menyeluruh yang terorganisir dan terlatih, yang akan hampir terbayangkan tanpa panjang, metodis persiapan. "Ini telah menyebabkan beberapa sarjana percaya bahwa nabi Samuel adalah patriark dari sebuah sekolah yang mengajarkan tidak hanya para nabi dan orang suci, tetapi juga suci-ritus musisi. ini publik sekolah musik, barangkali yang paling awal tercatat dalam sejarah, tidak terbatas pada kelas imamat -. yang adalah bagaimana anak gembala Daud muncul di tempat kejadian sebagai penyanyi untuk raja Saul "[11]

Kuno musik
Artikel utama: musik Kuno

Jaman prasejarah dianggap telah berakhir dengan pengembangan penulisan, dan dengan itu, menurut definisi, musik prasejarah. "Musik Kuno" adalah nama yang diberikan musik yang diikuti. "Nyanyian tertua" ditulis dalam cuneiform, dating ke 4.000 tahun yang lalu dari Ur. Hal itu diuraikan oleh Prof Anne Draffkorn Kilmer (Universitas California di Berkeley), dan dibuktikan disusun dalam harmoni pertiga, seperti gymel kuno, [12] dan juga ditulis menggunakan tuning Pythagoras dari skala diatonis.

Pipa ganda, seperti yang digunakan oleh orang Yunani kuno, dan bagpipe kuno, serta meninjau gambar kuno di vas dan dinding, dll, dan tulisan-tulisan kuno (seperti di Aristoteles, Masalah, Book XIX.12) yang menggambarkan teknik musik dari waktu, menunjukkan polifoni. Satu pipa di pasang aulos (seruling ganda) kemungkinan berfungsi sebagai pesawat tak berawak atau "keynote," sedangkan yang lain memainkan bagian melodi. Instrumen, seperti bersembunyi tujuh seruling dan berbagai jenis instrumen senar telah pulih dari situs peradaban lembah Indus arkeologi. [13]

India klasik musik (marga) dapat ditemukan dari tulisan suci dari tradisi Hindu, Veda. Samaveda, salah satu dari empat Veda, menguraikan musik di panjang. Sejarah perkembangan musik di Iran (Persia musik) tanggal kembali ke era prasejarah. Raja legendaris yang hebat, Jamshid, dikreditkan dengan penemuan musik. Musik di Iran dapat ditelusuri kembali ke hari-hari Kekaisaran Elamite (2,500-644 SM). Dokumen fragmentaris dari berbagai periode sejarah negara itu menetapkan bahwa Persia kuno memiliki budaya musik yang rumit. Periode Sassania (226-651 AD), khususnya, telah meninggalkan kita banyak bukti menunjuk ke keberadaan kehidupan musik hidup di Persia. Nama-nama beberapa musisi penting seperti Barbod, Nakissa dan Ramtin, dan judul dari beberapa karya mereka telah selamat.

Istilah musik era dini juga dapat merujuk ke musik kontemporer namun tradisional atau rakyat, termasuk musik Asia, musik Persia, musik India, musik Yahudi, musik Yunani, Romawi musik, musik Mesopotamia, musik Mesir, dan musik Islam.
Awal musik
Artikel utama: musik Dini

Musik dini adalah istilah umum yang digunakan untuk menggambarkan musik dalam tradisi klasik Eropa dari setelah jatuhnya Kekaisaran Romawi, pada 476 M, sampai akhir era Baroque di pertengahan abad ke-18. Musik dalam hal ini rentang besar waktu sangat beragam, mencakup beberapa tradisi budaya dalam wilayah geografis yang luas, banyak dari kelompok budaya dari Eropa abad pertengahan yang dikembangkan telah memiliki tradisi musik, tentang yang sedikit yang diketahui. Apa yang terpadu budaya ini pada Abad Pertengahan adalah Gereja Katolik Roma, dan musik menjabat sebagai titik fokus untuk pengembangan musik untuk seribu tahun pertama periode ini. Sangat sedikit non-Kristen musik dari periode ini bertahan, karena penekanan dengan Gereja dan tidak adanya notasi musik, namun musik rakyat modern Eropa mungkin memiliki akar setidaknya sejauh Abad Pertengahan [rujukan?].
Seni Musik Barat
Periode seni musik Barat
Awal
Abad Pertengahan (500-1400)
Renaissance (1400-1600)
Barok (1600-1760)
Praktek umum
Barok (1600-1760)
Klasik (1750-1830)
Romantis (1815-1910)
Modern dan kontemporer
Abad 20 (1900-2000)
Kontemporer (1975-sekarang)
Abad 21 (2000-sekarang)
Artikel utama: seni musik Barat
Abad Pertengahan musik
Artikel utama: Musik Abad Pertengahan

Sementara kehidupan musik tidak diragukan lagi kaya di era awal Abad Pertengahan, seperti yang dibuktikan oleh penggambaran artistik instrumen, tulisan-tulisan tentang musik, dan catatan lain, perbendaharaan satunya musik yang telah bertahan dari sebelum 800 sampai hari ini adalah musik liturgi plainsong dari Gereja Katolik Roma, bagian terbesar dari yang disebut Gregorian. Paus Gregorius I, yang memberikan namanya ke perbendaharaan musik dan mungkin dirinya telah komposer, biasanya diklaim sebagai pencetus bagian musik liturgi dalam bentuk yang sekarang, meskipun sumber memberikan rincian pada tanggal kontribusinya dari lebih dari seratus tahun setelah kematiannya. Banyak sarjana percaya bahwa reputasinya telah dibesar-besarkan oleh legenda. Sebagian besar perbendaharaan nyanyian disusun anonim pada abad antara waktu Gregory dan Charlemagne.

Selama abad ke-9 beberapa perkembangan penting terjadi. Pertama, ada upaya besar oleh Gereja untuk menyatukan tradisi banyak nyanyian, dan menekan banyak dari mereka yang mendukung liturgi Gregorian. Kedua, musik polifonik awal dinyanyikan, bentuk bernyanyi paralel dikenal sebagai organum. Ketiga, dan yang terpenting bagi sejarah musik, notasi itu diciptakan kembali setelah selang sekitar lima ratus tahun, meskipun akan lebih beberapa abad sebelum sistem pitch dan ritme notasi berevolusi memiliki presisi dan fleksibilitas yang musisi modern yang mengambil untuk diberikan.

Beberapa sekolah polifoni berkembang pada periode setelah 1100: sekolah St Bela Diri dari organum, musik yang sering ditandai oleh suatu bagian yang bergerak cepat di atas garis yang berkelanjutan tunggal, Notre Dame sekolah polifoni, yang meliputi Léonin komposer dan Pérotin, dan yang menghasilkan musik yang pertama untuk lebih dari dua bagian sekitar 1200; mencairnya pot-musik Santiago de Compostela di Galicia, tujuan ziarah dan situs mana musisi dari banyak tradisi berkumpul di Abad Pertengahan, musik di antaranya bertahan di Calixtinus Codex, dan Inggris sekolah, musik yang bertahan di Fragmen Worcester dan Naskah Old Hall. Selain sekolah-sekolah musik sakral tradisi yang bersemangat dari lagu sekuler dikembangkan, sebagaimana dicontohkan dalam musik dari trobador, trouvères dan Minnesänger. Banyak dari musik kemudian sekuler Renaissance awal berevolusi dari bentuk, ide, dan estetika musik dari trobador, penyair istana dan musisi keliling, yang kebudayaannya sebagian besar dimusnahkan selama Perang Salib Albigensian di abad 13 awal.

Bentuk musik suci yang dikembangkan selama abad ke-13 akhir termasuk motet, conductus, discant, dan clausulae. Salah satu perkembangan yang tidak biasa adalah Geisslerlieder, musik mengembara band flagellants selama dua periode: pertengahan abad ke-13 (sampai mereka ditindas oleh Gereja), dan periode selama dan segera setelah Black Death, sekitar 1350, ketika mereka kegiatan yang jelas dicatat dan didokumentasikan dengan musik dinotasikan. Musik mereka dicampur gaya lagu rakyat dengan teks tobat atau apokaliptik. Abad ke-14 dalam sejarah musik Eropa didominasi oleh gaya ars nova, yang oleh konvensi dikelompokkan dengan era abad pertengahan di musik, meskipun memiliki banyak kesamaan dengan cita-cita awal Renaissance dan estetika. Banyak dari musik hidup dari waktu adalah sekuler, dan cenderung untuk menggunakan perbaikan formes: yang ballada, yang virelai, yang lai, yang Rondeau, yang sesuai dengan bentuk puitis dari nama yang sama. Bagian yang paling dalam bentuk-bentuk ini selama satu sampai tiga suara, kemungkinan dengan iringan instrumen: komponis terkenal termasuk Guillaume de Machaut dan Francesco Landini.
Renaissance musik
Artikel utama: Renaissance musik

Awal Renaissance di musik tidak jelas ditandai sebagai awal Renaisans di seni lainnya, dan tidak seperti dalam seni lain, tidak dimulai di Italia, tetapi di Eropa utara, khususnya di daerah saat ini pusat yang terdiri dari dan utara Perancis, Belanda, dan Belgia. Gaya komposer Burgundi, sebagai generasi pertama dari sekolah Franco-Flemish diketahui, pada awalnya merupakan reaksi terhadap kompleksitas yang berlebihan dan gaya santun dari akhir abad ke-14 ars subtilior, dan berisi yang jelas, melodi singable dan polifoni seimbang semua suara. Komposer yang paling terkenal dari sekolah Burgundi pada pertengahan abad ke-15 yang Guillaume Dufay, Gilles Binchois, dan Busnois Antoine.

Pada pertengahan abad ke-15, komposer dan penyanyi dari Low Countries dan daerah sekitarnya mulai menyebar ke seluruh Eropa, terutama ke Italia, di mana mereka dipekerjakan oleh kapel kepausan dan para pengunjung aristokrat seni (seperti Medici, yang Este, dan keluarga Sforza). Mereka membawa gaya mereka dengan mereka: polifoni halus yang bisa diadaptasi untuk digunakan suci atau sekuler yang sesuai. Bentuk utama komposisi musik sakral pada waktu itu massa, motet, dan laude itu; bentuk sekuler termasuk Chanson, frottola, dan kemudian Madrigal itu.

Penemuan mesin cetak memiliki pengaruh besar pada penyebaran gaya musik, dan bersama dengan gerakan Franco-Flemish musisi, memberikan kontribusi terhadap pembentukan gaya yang benar-benar internasional pertama dalam musik Eropa sejak penyatuan Gregorian bawah Charlemagne. Komponis dari generasi tengah sekolah Franco-Flemish termasuk Johannes Ockeghem, yang menulis musik dalam gaya contrapuntally kompleks, dengan tekstur bervariasi dan penggunaan rumit perangkat kanonik; Yakub Obrecht, salah satu komponis yang paling terkenal dari massa dalam dekade terakhir dari abad ke-15, dan Josquin des Prez, mungkin komposer paling terkenal di Eropa sebelum Palestrina, dan yang selama abad ke-16 terkenal sebagai salah satu seniman terbesar dalam bentuk apapun. Music di generasi setelah dieksplorasi Josquin meningkatnya kompleksitas pengiring; mungkin ekspresi yang paling ekstrim adalah dalam musik Nicolas Gombert, yang kontrapungtal kompleksitas dipengaruhi musik instrumental awal, seperti Canzona dan ricercar, akhirnya memuncak dalam bentuk fugal Baroque.
Potret komposer Italia Claudio Monteverdi di Venice, 1640 oleh Domenico Fetti.

Pada pertengahan abad ke-16, gaya internasional mulai memecah, dan beberapa tren gaya yang sangat beragam menjadi jelas: kecenderungan kesederhanaan dalam musik sakral, seperti yang diarahkan oleh Kontra-Reformasi Konsili Trente, dicontohkan dalam musik Giovanni Pierluigi da Palestrina; kecenderungan kompleksitas dan chromaticism di Madrigal, yang mencapai ekspresi ekstrim dalam gaya avant-garde dari Sekolah Ferrara dari Luzzaschi dan akhir abad madrigalist Carlo Gesualdo, dan musik, megah merdu dari sekolah Venesia, yang menggunakan arsitektur Basilika San Marco di Venezia untuk menciptakan kontras antiphonal. Musik sekolah Venesia meliputi pengembangan orkestrasi, bagian instrumen dihiasi, dan bass continuo bagian, yang semuanya terjadi dalam kurun waktu beberapa dekade sekitar 1600. Komposer yang terkenal di Venice termasuk Gabrielis, Andrea dan Giovanni, serta Claudio Monteverdi, salah satu inovator paling signifikan pada akhir zaman.

Sebagian besar Eropa telah tradisi musik aktif dan baik dibedakan pada akhir abad ini. Di Inggris, komposer seperti Thomas Tallis dan William Byrd menulis musik sakral dalam gaya yang mirip dengan yang tertulis di benua itu, sementara kelompok yang aktif di rumah-tumbuh madrigalists disesuaikan bentuk Italia untuk selera Inggris: komposer terkenal termasuk Thomas Morley, John Wilbye dan Thomas Weelkes. Spanyol dikembangkan gaya instrumental dan vokal sendiri, dengan Tomas musik Luis de Victoria menulis halus mirip dengan Palestrina, dan komposer lainnya banyak menulis untuk gitar baru. Jerman polifonik dibudidayakan bentuk dibangun di chorales Protestan, yang menggantikan Katolik Roma Gregorian Chant sebagai dasar untuk musik sakral, dan impor gaya sekolah Venesia (penampilan yang mendefinisikan awal dari era Baroque sana). Selain itu, komponis Jerman menulis sejumlah besar musik organ, membentuk dasar untuk gaya organ kemudian Baroque yang memuncak dalam karya JS Bach. Perancis mengembangkan gaya yang unik dari diksi musik yang dikenal sebagai musique mesurée, yang digunakan dalam chansons sekuler, dengan komposer seperti Guillaume Costeley dan Claude Le Jeune menonjol dalam gerakan.

Salah satu gerakan yang paling revolusioner di era berlangsung di Florence pada 1570-an dan 1580-an, dengan karya Camerata Florentine, yang ironisnya memiliki niat reaksioner: tidak puas dengan apa yang mereka lihat sebagai depravities musik kontemporer, tujuan mereka adalah untuk mengembalikan musik dari Yunani kuno. Kepala di antara mereka adalah Vincenzo Galilei, ayah dari astronom, dan Giulio Caccini. Buah dari pekerjaan mereka adalah gaya menyanyi melodi dgn rasa yang dikenal sebagai lagu penguburan, dan yang sesuai dipentaskan bentuk dramatis: sebuah bentuk yang dikenal hari ini sebagai opera. Opera pertama, ditulis sekitar 1600, juga menentukan akhir Renaisans dan awal era Barok.

Musik sebelum 1600 adalah modal ketimbang tonal. Beberapa teori perkembangan akhir abad 16, seperti tulisan-tulisan tentang sisik pada mode oleh Gioseffo Zarlino dan Franchinus Gaffurius, dipimpin langsung untuk pengembangan tonalitas praktek umum. Skala besar dan kecil mulai mendominasi atas mode gereja tua, sebuah fitur yang pada awalnya yang paling jelas pada titik-titik cadential dalam komposisi, namun secara bertahap menjadi luas. Musik setelah 1600, dimulai dengan musik nada dari era Baroque, sering disebut sebagai milik periode praktek umum.
Musik barok
J. S. Bach
Artikel utama: musik Barok

Musik instrumental menjadi dominan di Baroque, dan bentuk musik paling utama yang didefinisikan. Counterpoint adalah salah satu kekuatan utama dalam kedua instrumental dan musik vokal periode. Meskipun tradisi musik yang kuat agama terus, musik sekuler datang ke depan dengan perkembangan sonata, konserto, dan Grosso konserto.

Musik Baroque banyak yang dirancang untuk improvisasi, dengan bass yang disediakan oleh komposer pikir bagi pemain untuk menyempurnakan dan ornamen. Keyboard, khususnya piano, adalah instrumen yang dominan, dan awal dari temperamen juga membuka kemungkinan bermain di semua kunci dan modulasi.
Piano kuno

Banyak musik Barok menampilkan basso continuo yang terdiri dari keyboard, baik harpsichord atau organ (kadang-kadang kecapi gantinya), dan instrumen bass, seperti biola da gamba atau Apresiasi. Tiga komposer luar biasa dari periode yang Johann Sebastian Bach, George Frideric Handel, dan Antonio Vivaldi, namun sejumlah komponis lain, beberapa dengan output besar, aktif di periode.
Musik klasik era
Artikel utama: Periode Klasik (musik)

Musik periode Klasik ditandai dengan tekstur homophonic, atau melodi yang jelas dengan iringan. Melodi baru ini cenderung menjadi hampir suara-suka dan singable, yang memungkinkan komposer untuk benar-benar menggantikan penyanyi sebagai fokus musik. Musik instrumental karena cepat diganti opera dan lainnya dinyanyikan bentuk (seperti Oratorio) sebagai favorit penonton musik dan lambang komposisi besar. Namun, opera tidak menghilang: selama periode klasik, beberapa komposer mulai memproduksi opera untuk masyarakat umum dalam bahasa ibu mereka (opera sebelumnya umumnya di Italia).
Komposisi Wolfgang Amadeus Mozart dicirikan musik dari era klasik.

Seiring dengan perpindahan secara bertahap dari suara dalam mendukung kuat, melodi jelas, pengiring juga biasanya menjadi dekoratif berkembang, sering digunakan di dekat akhir pekerjaan atau untuk satu gerakan. Dalam gantinya, pola sederhana, seperti arpeggio, dan dalam musik piano, bass Alberti (iringan dengan pola berulang biasanya di tangan kiri), digunakan untuk menghidupkan gerakan potongan tanpa membuat suara tambahan membingungkan. Musik sekarang-populer berperan didominasi oleh beberapa didefinisikan dengan baik bentuk: sonata, simfoni, dan konserto, meskipun tidak satu pun yang didefinisikan secara spesifik atau diajarkan pada saat seperti sekarang dalam teori musik. Semua tiga berasal dari bentuk sonata, yang digunakan untuk merujuk baik untuk bentuk atasnya dari seluruh pekerjaan dan struktur gerakan tunggal. Sonata bentuk matang selama era klasik menjadi bentuk utama dari komposisi instrumen sepanjang abad ke-19.

Periode Klasik awal diantar oleh Sekolah Mannheim, termasuk komposer seperti Johann Stamitz, Franz Xaver Richter, Carl Stamitz, dan Kristen Cannabich. Ini diberikan pengaruh yang besar pada Joseph Haydn dan, melalui dia, semua musik Eropa berikutnya. Wolfgang Amadeus Mozart adalah tokoh sentral periode Klasik, dan output-nya fenomenal dan beragam dalam semua genre mendefinisikan persepsi kita tentang periode. Ludwig van Beethoven dan Franz Schubert adalah komposer transisi, menuju periode Romantis, dengan ekspansi mereka genre yang ada, bentuk, dan bahkan fungsi musik.
Romantis musik
Artikel utama: musik Romantis
Karakter judul dari kinerja abad ke-19 Wagner opera Siegfried

Pada periode Romantis, musik menjadi lebih ekspresif dan emosional, memperluas untuk mencakup sastra, seni, dan filsafat. Romantis komposer terkenal dini termasuk Schumann, Chopin, Mendelssohn, Bellini, dan Berlioz. Akhir abad 19 melihat ekspansi dramatis dalam ukuran orkestra, dan dalam konser peran sebagai bagian dari masyarakat perkotaan. Komposer terkenal dari paruh kedua abad termasuk Johann Strauss II, Brahms, Liszt, Tchaikovsky, Verdi, dan Wagner. Antara tahun 1890 dan 1910, gelombang ketiga komposer termasuk Dvořák, Mahler, Richard Strauss, Puccini, dan Sibelius dibangun pada karya komposer Romantic menengah untuk membuat bahkan lebih kompleks - dan sering lebih lama - karya musik. Sebuah tanda menonjol dari musik akhir abad 19 adalah semangat nasionalisme, sebagaimana dicontohkan oleh tokoh-tokoh seperti Dvořák, Sibelius, dan Grieg. Lain menonjol akhir abad ke-angka termasuk Saint-Saëns, Faure, Rachmaninoff dan Franck.
Abad ke-20 musik
Artikel utama: musik abad ke-20

Abad ke-20 melihat sebuah revolusi dalam musik mendengarkan radio media yang mendapatkan popularitas di seluruh dunia dan baru dan teknologi dikembangkan untuk merekam, menangkap, mereproduksi dan mendistribusikan musik. Pertunjukan musik menjadi semakin visual dengan siaran dan rekaman video musik dan konser. Musik dari semua jenis juga menjadi semakin portabel. Headphone memungkinkan orang duduk di samping satu sama lain untuk mendengarkan pertunjukan yang sama sekali berbeda atau berbagi kinerja yang sama.

Musik abad ke-20 membawa kebebasan baru dan eksperimen luas dengan gaya musik baru dan bentuk-bentuk yang menantang aturan diterima musik periode sebelumnya. Penemuan amplifikasi musik dan instrumen elektronik, terutama synthesizer, pada pertengahan abad ke-20 merevolusi musik populer dan mempercepat pengembangan bentuk-bentuk baru dari musik.
Lihat juga: musik klasik kontemporer dan Sejarah rekaman suara.
Musik klasik
Artikel utama: Musik klasik

Musik klasik adalah istilah yang luas, agak tidak tepat, mengacu pada musik yang dihasilkan, atau berakar pada tradisi seni, gerejawi dan konser musik. Musik klasik adalah jika mencakup beberapa fitur berikut: tradisi belajar, dukungan dari gereja atau pemerintah, atau modal budaya yang lebih besar. Musik klasik juga digambarkan sebagai kompleks, abadi, transenden, dan abstrak. Dalam banyak kebudayaan tradisi klasik hidup berdampingan dengan musik tradisional atau populer, kadang-kadang selama ribuan tahun, dan dengan berbagai tingkat pinjaman dengan tradisi saling paralel.
Byzantium
Artikel utama: musik Bizantium

Bizantium musik (Yunani: Βυζαντινή Μουσική) adalah musik dari Kekaisaran Bizantium disusun untuk teks Yunani sebagai seremonial, festival, atau musik gereja [1] sejarawan Yunani dan asing setuju bahwa nada gerejawi dan secara umum seluruh sistem musik Bizantium. erat terkait dengan sistem Yunani kuno [2]. Ini tetap genre musik tertua yang masih ada, yang cara kinerja dan (dengan akurasi meningkat dari abad ke-5 dan seterusnya) nama-nama komposer, dan kadang-kadang khusus dari masing-masing musik situasi pekerjaan itu, dikenal.
Asia
Artikel utama: musik Asia

Musik Asia meliputi budaya musik Arab, Asia Tengah, Asia Timur, Asia Selatan, dan Asia Tenggara.

Lihat juga: Musik Gagaku, gamelan, musik klasik Korea #, dan musik Jepang.

India
Artikel utama: musik klasik India
Purandara Dasa, ayah musik Carnatic

Musik India adalah salah satu tradisi musik tertua di dunia. [14] Peradaban Lembah Indus meninggalkan patung-patung yang menunjukkan tari [15] dan alat musik (beberapa tidak lagi digunakan), seperti seruling bersembunyi tujuh. Berbagai jenis instrumen senar dan drum telah pulih dari Harrappa dan Mohenjo daro oleh penggalian dilakukan oleh Sir Mortimer Wheeler [16]. Rigveda memiliki unsur-unsur musik India sekarang, dengan notasi musik untuk menunjukkan meter dan modus nyanyian. [17] tradisi musik Dini India juga berbicara tentang tiga aksen dan musik vokal yang dikenal sebagai "Samagan" (Sama artinya melodi dan Gan artinya menyanyi) [18] musik klasik India mencakup dua tradisi utama:. Carnatic musik selatan dan Hindustan Utara musik klasik. Tradisi musik klasik India adalah ribuan panjang dan tetap penting untuk kehidupan orang India hari ini sebagai sumber inspirasi agama, ekspresi budaya, dan hiburan.

Musik klasik India (marga) adalah monophonic, dan berdasarkan garis melodi tunggal atau raga berirama diorganisasikan melalui talas. Carnatic musik sebagian besar bakti; mayoritas lagu-lagu yang ditujukan kepada dewa-dewa Hindu. Ada banyak lagu-lagu cinta dan menekankan isu-isu sosial lainnya. Berbeda dengan musik Carnatic, Hindustan musik tidak hanya dipengaruhi oleh tradisi Hindu kuno musik, filsafat Veda dan suara asli India tetapi juga oleh praktek-praktek kinerja Persia Dinasti Mogul Afghanistan. Asal-usul musik klasik India dapat ditemukan dari tertua dari kitab suci, bagian dari tradisi Hindu, Veda. Samaveda, salah satu dari empat Veda mendeskripsikan musik panjang lebar.
Cina
Artikel utama: musik klasik Cina

Musik klasik Cina adalah seni tradisional atau pengadilan musik dari Cina. Ini memiliki sejarah panjang yang membentang selama lebih dari tiga ribu tahun. Ini memiliki sistem sendiri yang unik notasi musik, serta tala musik dan pitch, instrumen musik dan gaya atau genre musik. Musik pentatonik-Cina diatonis, memiliki dua belas skala catatan untuk satu oktaf (5 +7 = 12) seperti halnya musik Eropa yang dipengaruhi.
Timur Tengah
Lihat juga: musik klasik Arab dan musik klasik Andalusia.
Persia
Iran Kuno terpasang sangat penting untuk musik dan puisi, karena mereka masih lakukan hari ini. Piring abad ke-7 menggambarkan musisi zaman Sassania. British Museum.
Artikel utama: musik tradisional Persia

Persia musik adalah musik dari Persia dan bahasa Persia negara: musiqi, ilmu dan seni musik, dan muzik, suara dan kinerja musik (Sakata 1983). Lihat: Musik Iran, Musik Afganistan, Musik Tajikistan, Musik Uzbekistan.
Yunani
Artikel utama: Musik di Yunani

Sejarah tertulis Yunani meluas jauh kembali ke Yunani Kuno, dan merupakan bagian utama dari teater Yunani kuno. Di Yunani kuno, paduan suara campuran jender dilakukan untuk alasan hiburan, perayaan dan spiritual. Instrumen termasuk ganda buluh aulos dan instrumen memetik senar, kecapi, terutama jenis khusus yang disebut kithara. Musik adalah bagian penting dari pendidikan di Yunani kuno, dan anak laki-laki diajarkan musik dimulai pada usia enam.